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L'écrivain du vin du New York Times Frank Prial est décédé à 82 ans

L'écrivain du vin du New York Times Frank Prial est décédé à 82 ans

Frank Prial était la vraie affaire. Si le terme « critique de vin » vous fait imaginer un bourgogne inestimable tourbillonnant de type professeur dans un verre de cristal avec un petit doigt allongé et un comportement dédaigneux, eh bien… vous n'imaginez certainement pas Frank Prial. Il était trapu et un peu bourru ; J'ai toujours pensé qu'il ressemblait plus à un patron de syndicat du New Jersey, ou peut-être à un prêtre de quelque part dans le nord de l'État (il était en fait né à Newark), qu'à un journaliste qui parlait couramment le français et connaissait le vin aussi bien que n'importe qui en ville. La première fois que je l'ai rencontré, en venant à son bureau du New York Times en tant que jeune écrivain gastronomique et œnologique de la côte ouest, il m'a dit : "Allons boire un verre" - et ne m'a pas conduit dans le dernier bar à vin à la mode pour dégustez du champagne d'un seul producteur ou un cabernet culte de Californie, mais au bar de Sardi's, le légendaire restaurant du quartier des théâtres au coin de l'ancien bâtiment du Times, où il a rapidement commandé un Manhattan.

Prial n'a pas mis le vin sur un piédestal. C'était une partie agréable de la vie, et il croyait - à juste titre - que le transformer en un objet de culte ou en une substance mystérieuse que seuls quelques élus pouvaient apprécier rendait un grand tort non seulement au vin mais à l'humanité. Il croyait également - encore une fois à juste titre - qu'il y avait peu ou pas de corrélation entre le prix d'un vin et combien vous pourriez l'apprécier.

Après avoir obtenu son diplôme de l'Université de Georgetown et servi dans la Garde côtière, Prial a occupé des postes dans la presse dans le New Jersey, puis à Manhattan, pour finir au Wall Street Journal et, en 1970, au Times. Il était d'abord reporter d'intérêt général, mais parmi ses intérêts particuliers figuraient la gastronomie et le vin, et le journal lui a permis d'écrire quelques articles sur ces derniers à titre d'essai. Ils ont été bien reçus, et en 1972, à l'époque où les Américains commençaient tout juste à découvrir le vin pour de vrai, il a commencé à écrire une chronique régulière sur le sujet.

Le Times aime réaffecter périodiquement ses rédacteurs à de nouveaux rythmes, et en 1979, Prial a cessé d'écrire "Wine Talk" pour devenir le correspondant du journal à Paris - où, bien sûr, le vin a continué d'être un sujet majeur pour lui. De retour aux États-Unis en 1984, il a repris la rubrique et a continué à la superviser pendant encore 20 ans (après quoi elle est devenue la compétence d'Eric Asimov, qui a longtemps fait partie des jurys de dégustation de Prial).

Prial n'était pas l'un de ces auteurs de vins « aux notes de miellat, de betterave, de caramel, de tabac turc et d'anis ». Il aimait surtout raconter les histoires des hommes et des femmes derrière le vin, évoquer l'histoire de certaines régions ou cépages et les replacer dans leur contexte culturel. Lorsqu'il décrivait les vins, c'était en langage simple : un chardonnay californien « sentait la viande épicée » ; un amontillado avait "une douceur mielleuse que [j'ai] aimé" ; le shiraz étrangement nommé Woop Woop du sud-est de l'Australie était "un shiraz classique avec un bel équilibre et une grande structure". Pour Prial, c'était en gros ce qu'il fallait savoir.

Dans son ouvrage de référence satirique The Devil's Dictionary, publié il y a environ un siècle, Ambrose Bierce définit le terme « Connoisseur » en partie ainsi : ranimez-le. « Pauillac, 1873 », murmura-t-il et mourut. Je ne sais pas quels étaient les derniers mots du vieux buveur de vin Frank Prial, quand il est décédé mardi soir des complications d'un cancer de la prostate, mais j'espère en quelque sorte qu'ils étaient quelque chose comme "Juste un Manhattan de plus, s'il vous plaît."


Rats acculés et trahisons personnelles

Abraham Polonsky vivait en France en 1950, écrivant un roman, lorsqu'il reçut un appel d'un ami qui séjournait dans sa maison à Los Angeles. Un enquêteur du House Un-American Activities Committee était passé, essayant de lui signifier une assignation à comparaître.

Depuis les premières audiences du HUAC en octobre 1947, au cours desquelles un groupe d'écrivains et de réalisateurs connu sous le nom de Hollywood 10 avait été reconnu coupable d'outrage au Congrès et finalement envoyé en prison, l'industrie du cinéma était en proie à une hystérie anticommuniste. Polonsky savait que son heure était venue.

Communiste de longue date, Polonsky avait émergé à la fin des années 40 comme l'un des jeunes scénaristes-réalisateurs les plus doués d'Hollywood. En 1947, il a écrit "Body and Soul", le drame de boxe acclamé de John Garfield. L'année suivante, il dirigea Garfield dans "Force of Evil", un thriller sur le racket numérique que le critique Andrew Sarris appellera plus tard "l'un des grands films du cinéma américain moderne".

Polonsky n'avait pas caché ses affiliations communistes. Il était ami avec de nombreux Hollywood 10 et considérait la fête comme "le meilleur club auquel appartenir à Hollywood, car tous les gars intelligents y étaient".

Il savait que s'il refusait de coopérer avec le Congrès, il serait mis sur liste noire et peut-être envoyé en prison. Mais il se considérait aussi comme un patriote. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il avait servi outre-mer au Bureau des services stratégiques en tant qu'agent de liaison avec la résistance française.

L'assignation lui a forcé la main. "Ma femme pensait que je devais rester en Europe", se souvient Polonsky, qui à 86 ans a un esprit caustique et des idéaux socialement conscients. «Mais j'étais romantique à ce sujet. J’ai dit : ‘C’est mal, personne ne va me chasser de mon pays.’ Alors je suis revenu.

Polonsky éclate d'un rire rauque. "J'étais tellement romantique que j'ai ramené une Jaguar avec moi."

Le 25 avril 1951, il s'est présenté devant la HUAC et a refusé de répondre à ses questions, prenant le 5e amendement. Une seule fois Polonsky a offert une réponse, lorsqu'on lui a demandé les noms des hommes avec lesquels il avait travaillé dans l'OSS. Polonsky a répondu: "Ce ne sont pas vos affaires."

Avant qu'il ne soit pressé pour une réponse, un homme en costume sombre s'est précipité vers l'estrade et a chuchoté à l'oreille du président de la HUAC, John Wood.

« Il leur a dit d'arrêter tout de suite », dit Polonsky. « Le type en costume était un agent du renseignement, et même lui savait que je ne devais pas répondre à cette question. Tous ces gars avec qui j'avais été dans l'OSS étaient maintenant à la CIA.

Le 12 avril 1951, deux semaines avant que Polonsky ne se présente devant le Congrès, il a été nommé communiste par deux amis, l'acteur Sterling Hayden et l'écrivain Richard Collins. Scénariste bien connu et membre de longue date du parti, Collins a donné les noms de 26 communistes présumés, dont son ami et partenaire d'écriture, Paul Jarrico. Les deux hommes avaient été sous contrat à la MGM, où ils avaient écrit des films comme "Thousands Cheer", une comédie musicale de base de l'armée étoilée, et "Song of Russia", un hommage à l'effort de guerre russe qui a été attaqué par HUAC comme propagande communiste.

"Tous les studios ont fait des films comme ça", explique Jarrico, aujourd'hui âgé de 82 ans. "Nous écrivions sous les ordres de l'Office of Wartime Propaganda. Louis B. Mayer n'a jamais laissé entrer dans ses films ce qu'il pensait être de la propagande russe. Nous avons même dû supprimer le mot « communauté », car il trouvait que cela ressemblait trop à du « communisme ».

Jarrico dit qu'il a demandé à Collins de ne pas donner de noms à HUAC, mais en vain : « Il s'avère qu'il avait parlé au FBI bien avant de se présenter devant le comité. Une fois qu'il a témoigné, ce fut la fin de notre amitié. C'était une trahison très personnelle. Il n'était pas seulement coopératif avec le comité, il était désireux de coopérer.

De nombreuses personnes qui ont coopéré avec l'HUAC, dont Collins, Hayden, Lee J. Cobb et Abe Burrows, avaient autre chose en commun : leur avocat, Martin Gang. Fondateur de l'influent cabinet d'avocats du divertissement Gang, Tyre, Ramer and Brown, il s'est spécialisé dans la représentation de personnes qui ont donné des noms ainsi que de libéraux au franc-parler, tels que Burt Lancaster et John Houseman, qui ont cherché à éviter d'être appelés à témoigner.

Au lieu de défier le comité, Gang a conseillé à ses clients de dire la vérité, faisant souvent connaître leurs efforts de coopération afin qu'ils puissent être effacés des listes noires et retourner au travail. (Maintenant 96, Gang n'était pas disponible pour les interviews.)

Lorsque David Raksin, un éminent compositeur de films qui avait été membre du parti à la fin des années 1930, a été cité à comparaître par HUAC, il est allé demander conseil à Gang.

« Il a dit : ‘Si tu ne parles pas, ces salauds te mettront en prison’ », dit Raksin, maintenant âgé de 85 ans. « Gang m’a dit : ‘Ne cache rien, ils savent tout de toi.’

«Ce fut une expérience effrayante, témoigner devant le comité. Il faisait chaud et nous étions dans cette grande pièce pleine de lumières et de caméras. Je n'avais pas pu dormir la nuit, je me sentais comme un rat acculé.

Avec Gang à ses côtés, Raksin a donné les noms d'une douzaine de communistes présumés. Il dit qu'il s'agissait de personnes décédées ou qui avaient déjà été nommées par d'autres.

« Ce n’était pas une capitulation abjecte. J'ai dit au comité qu'ils devraient laisser le Parti communiste tranquille, ne pas essayer de l'écraser. Mais j'étais là, un gars avec une famille à soutenir et une carrière assez décente qui était sur le point de s'effondrer. Ce que j'ai fait était un péché majeur, mais je pense que j'ai fait aussi bien que la plupart des êtres humains l'auraient fait sous la torture.

Même si Raksin a coopéré avec le comité, il a constaté que de nombreux studios ne l'embaucheraient pas. Les offres d'emploi se sont soudainement taries. C'était encore pire pour ceux qui refusaient de donner des noms. À la 20th Century Fox, Darryl Zanuck avait autorisé Polonsky à écrire chez lui, à l'abri des regards. Après son refus de témoigner, Zanuck l'a licencié. Jarrico a perdu son emploi chez RKO dès qu'il a été cité à comparaître.

« Un jour, mon nom était dans les journaux, se souvient-il. "Le lendemain, quand je me suis présenté au travail, ils m'ont arrêté aux portes du studio."

Le lendemain de la comparution du scénariste de comédie télévisée Frank Tarloff devant HUAC, il a été licencié de son travail et abandonné par l'agence William Morris.

"J'avais évité d'être cité à comparaître pendant des années parce que je savais que dès qu'ils m'ont trouvé, c'était fini", a déclaré Tarloff, aujourd'hui âgé de 82 ans.

« Nous vivions comme des fugitifs. Nous avons déménagé dans une nouvelle maison sans donner notre adresse. Quand nous rentrions d'une soirée, je sortais de la voiture à quelques pâtés de maisons et attendais que ma femme arrive et ouvre la porte. Ensuite, je sortais et courais dans la maison.

Après avoir été cité à comparaître, Tarloff s'est présenté devant la HUAC et a refusé de témoigner. Il a été mis sur liste noire pendant près de 15 ans, bien qu'il ait trouvé du travail en écrivant secrètement des épisodes de "The Dick Van Dyke Show" et "The Andy Griffith Show", utilisant des amis comme façades.

La vie de chacun a été bouleversée. Tarloff avait des amis qui ont arrêté de lui rendre visite parce qu'ils craignaient que les agents du FBI ne soient dans les buissons. Raksin parlait à une belle femme lors d'une fête à Malibu lorsque l'hôte l'a prise à part et lui a dit qu'il avait été un informateur. "Quand elle est revenue, elle était gelée", dit-il. "Elle ne voulait pas me parler."

L'un des amis d'enfance de Polonsky était le compositeur Bernard Herrmann, qui avait grandi avec lui dans le Lower East Side de New York. « Il m'avait trouvé un travail chez Orson Welles, il m'avait formé à la musique moderne », se souvient Polonsky.

"Mais après que j'ai été mis sur liste noire, quelqu'un que je connaissais l'a rencontré en train de travailler sur une photo et a dit:" Oh, Abe me dit que vous êtes de vieux amis. " Et Bennie l'a regardé et a dit: " Je ne sais pas ce que vous voulez dire, je je ne l'ai jamais rencontré.

«C'était la chose la plus triste. Il craignait que le simple fait de me connaître ne lui cause des ennuis.

Le regretté scénariste-producteur Adrian Scott était l'un des 10 d'Hollywood qui ont été emprisonnés pour outrage au Congrès. Après sa sortie, il a commencé à sortir avec une femme qu'il avait rencontrée lors d'un rassemblement politique progressiste. En 1955, lorsqu'ils se sont mariés, Joan Scott a assumé un nouveau rôle : elle est devenue sa façade.

« C'est ainsi que j'ai appris à être écrivain », explique Joan Scott, aujourd'hui âgée de 76 ans. « Adrian ne pouvait jamais aller dans un studio, alors il me conduisait jusqu'au parking, me déposait et venait me chercher après. "

Scott avait comparu devant la HUAC en 1952, où elle refusait de donner les noms de prétendus communistes. Mais elle a pu trouver du travail à la télévision, en tant que leader pour son mari, en utilisant le pseudonyme de Joanne Court.

La spécialité d'Adrian Scott était le drame dur, il avait produit des thrillers comme "Murder My Sweet" avant d'être mis sur liste noire. Face aux scripts de son mari pour des émissions comme "77 Sunset Strip" et "Surfside Six", Joanne Court est devenue connue comme la fille qui a écrit comme un dur à cuire.

« J'ai eu beaucoup de succès », se souvient Joan Scott. «C'était le jour des jupes amples et bouffantes et j'avais l'air très jeune, alors tout le monde voulait me rencontrer. Je suis devenue la fille qui écrivait comme un homme.

Scott assistait à des conférences sur l'histoire, suivait les révisions, puis donnait à son mari ses notes pour qu'il puisse réécrire le script.

"C'était parfois effrayant", dit-elle. "Un jour, il a oublié de me parler d'un changement crucial qu'il avait fait et j'ai dû faire tout ce double discours jusqu'à ce que les producteurs soient si déconcertés qu'ils ont abandonné et lâché prise."

Inévitablement, les patrons de Scott se renseigneraient sur sa famille. Alors qu'elle écrivait une émission télévisée pour Walt Disney, un producteur a demandé ce que son mari faisait dans la vie.

« J'ai inventé cette histoire selon laquelle Adrian était un dépanneur pour un magasin d'électroménagers. Quand je suis rentré chez moi ce soir-là et que je lui ai dit, il était furieux. C'était un travail tellement vulgaire qu'il pensait qu'il devrait au moins être professeur ou avocat. Donc après ça, je disais aux gens qu'il était un professeur à la retraite, mais très reclus, donc ça ne semblerait pas étrange s'ils ne l'ont jamais rencontré.

Scott a utilisé un pseudonyme jusqu'en 1972, quand elle a écrit un épisode de "The Waltons" sous son propre nom. Elle a récemment reçu un crédit restauré pour "Le Caire", un film de 1963 qu'elle a écrit en utilisant son pseudonyme. Mais au moment où son mari pouvait travailler sous son propre nom, il était un homme brisé.

"Adrian n'a plus jamais été une personne à part entière", dit Scott. « Il avait eu trop de désespoir et de déception. Même lorsqu'il a pu écrire, il n'a jamais obtenu de crédit pour rien de tout cela. Il est mort d'un cancer, mais dans mon esprit, c'est la liste noire qui l'a vraiment tué.


Le physicien Frank Oppenheimer décède à 72 ans

Frank Oppenheimer, un physicien qui a été contraint à l'élevage de bétail pendant l'ère McCarthy et qui, comme son défunt frère, est devenu un défenseur passionné du désarmement nucléaire, est mort.

Oppenheimer, qui avait récemment bénéficié d'une attention plus agréable grâce à son travail avec l'un des musées scientifiques les plus innovants du pays, est décédé dimanche après une lutte de deux mois contre le cancer du poumon. Il avait 72 ans.

Frank Oppenheimer, qui a obtenu un doctorat en 1939 à Caltech, faisait partie du projet Manhattan à Los Alamos, N.M., où la première bombe atomique au monde a été développée. Le projet a été dirigé par son frère, J. Robert Oppenheimer, décédé en 1967.

Il s'est rendu au Nouveau-Mexique après avoir établi une réputation nationale pour son travail sur le cyclotron sous la direction d'Ernest D. Lawrence à l'Université de Californie à Berkeley, d'où le nom des Lawrence Laboratories.

Là, Oppenheimer a aidé à adapter le cyclotron pour une expérience qui a prouvé que les isotopes de l'uranium pouvaient être séparés électromagnétiquement, un développement qui a rendu possible une bombe nucléaire.

Comme son frère, Oppenheimer est venu s'opposer aux armes nucléaires après que les États-Unis ont largué des bombes atomiques sur Hiroshima et Nagasaki.

Son fils, Michael, dans une interview téléphonique avec l'Associated Press, a cité son père disant : « Il doit y avoir une meilleure façon de résoudre les problèmes internationaux.

Après la Seconde Guerre mondiale, Oppenheimer s'est rendu à l'Université du Minnesota pour faire des recherches sur les rayons cosmiques.

En 1947, il a nié une accusation du Washington Times-Herald selon laquelle il avait été membre du Parti communiste, mais deux ans plus tard, il s'est rétracté lors d'un témoignage devant le Comité des activités anti-américaines de la Chambre.

Il a cependant nié être au courant de toute fuite de secrets nucléaires à des agents d'espionnage soviétiques et a déclaré qu'il avait quitté le parti avant d'aller travailler sur le projet Manhattan.

La confession a forcé sa démission au Minnesota et lui, sa femme et ses deux enfants ont déménagé au Colorado, où ils sont devenus des éleveurs de bétail.

Au fil des ans, Oppenheimer a affirmé que le gouvernement continuait de le harceler, interrogeant ses voisins sur ses activités. Les voisins ne s'en sont évidemment pas inquiétés, car ils l'ont nommé chef de leur compagnie de téléphone à 13 abonnés et président du district local de conservation des sols. Bientôt, il enseigna les sciences dans un petit lycée de Pagosa Springs.

Au fil du temps, Oppenheimer a repris l'enseignement collégial, acceptant un poste au département de physique de l'Université du Colorado, où il a dirigé des recherches sur les particules de haute énergie. C'est là qu'il s'est d'abord intéressé à l'enseignement « pratique », encourageant ses étudiants à construire des modèles et à développer des expériences illustrant les théories qu'il exposait.

Cet intérêt, en 1968, a conduit à l'ouverture de l'Exploratorium à San Francisco, le premier des musées où les visiteurs étaient encouragés à expérimenter et à jouer avec les expositions.

Les étudiants en art y sont allés pour étudier la lumière, le son et le mouvement. Les enfants pouvaient jouer avec des jouets scientifiques exotiques, et des principes ésotériques tels que la fréquence de résonance et la réfraction de la lumière ont été rendus compréhensibles avec des marteaux et des torches à acétylène.

Le musée, aujourd'hui visité par 500 000 personnes chaque année, est devenu le prototype d'institutions similaires à travers le monde.

Flûtiste, essayiste et pilote licencié accompli, Oppenheimer a déclaré que « les musées doivent être des environnements ludiques, honnêtes, accessibles et pourtant sophistiqués dans lesquels les gens peuvent explorer leur culture ».

Son travail là-bas a été présenté dans un segment de 1982 de «Nova», une série du système de télévision publique. Il s'intitulait « Palais des Délices ».

Oppenheimer, qui est né à New York, est l'auteur de plus de 60 articles techniques et autres. Il a remporté des prix pour la science et l'enseignement distingués de Caltech, de l'Université du Colorado, de l'American Assn. de l'enseignement de la physique et de l'American Assn. des Musées.


Contenu

-La fille de Sinatra, Nancy, sur l'importance de sa mère Dolly dans sa vie et son caractère. [5]

Francis Albert Sinatra [a] est né le 12 décembre 1915, dans un immeuble à l'étage au 415 Monroe Street à Hoboken, New Jersey, [7] [8] [b] le seul enfant d'immigrants italiens Natalina "Dolly" Garaventa et Antonino Martino "Marty" Sinatra. [11] [12] [c] Sinatra pesait 13,5 livres (6,1 kg) à la naissance et a dû être livré à l'aide de forceps, ce qui a causé de graves cicatrices à sa joue gauche, son cou et son oreille, et a perforé son tympan - dommages qui est resté à vie. [14] En raison de ses blessures à la naissance, son baptême à l'église St. Francis à Hoboken a été retardé jusqu'au 2 avril 1916.[15] Une opération d'enfance sur son os mastoïde a laissé des cicatrices importantes sur son cou et pendant l'adolescence, il a souffert d'acné kystique qui a marqué davantage son visage et son cou. [16] Sinatra a été élevé dans l'église catholique romaine. [17]

La mère de Sinatra était énergique et motivée, [18] et les biographes croient qu'elle était le facteur dominant dans le développement des traits de personnalité et de la confiance en soi de son fils. [19] La quatrième épouse de Sinatra, Barbara, prétendra plus tard que Dolly l'a abusé lorsqu'il était enfant et qu'elle "le bousculait beaucoup". [20] Dolly est devenu influent à Hoboken et dans les cercles locaux du Parti démocrate. [21] Elle a travaillé comme sage-femme, gagnant 50 $ pour chaque accouchement, [22] et selon la biographe de Sinatra Kitty Kelley, a également dirigé un service d'avortement illégal qui s'adressait aux filles catholiques italiennes, pour lesquelles elle a été surnommée "Hatpin Dolly". [23] [d] Elle avait aussi un don pour les langues et a servi d'interprète local. [26]

Le père illettré de Sinatra était un boxeur poids coq qui a combattu sous le nom de Marty O'Brien. [27] Plus tard, il a travaillé pendant 24 ans au service d'incendie de Hoboken, gravissant les échelons jusqu'au grade de capitaine. [28] Sinatra a passé beaucoup de temps à la taverne de ses parents à Hoboken, [e] travaillant sur ses devoirs et chantant occasionnellement une chanson sur le piano mécanique pour de la monnaie. [30] Pendant la Grande Dépression, Dolly a fourni de l'argent à son fils pour des sorties avec des amis et pour acheter des vêtements coûteux, ce qui a amené les voisins à le décrire comme "l'enfant le mieux habillé du quartier". [31] Excessivement mince et petit comme un enfant et un jeune homme, le cadre maigre de Sinatra est devenu plus tard un aliment de base des blagues pendant les spectacles sur scène. [32] [33]

Sinatra a développé un intérêt pour la musique, en particulier le jazz big band, à un jeune âge. [34] Il a écouté Gene Austin, Rudy Vallée, Russ Colombo et Bob Eberly et a idolâtré Bing Crosby. [35] L'oncle maternel de Sinatra, Domenico, lui a donné un ukulélé pour son 15e anniversaire et il a commencé à se produire lors de réunions de famille. [36] Sinatra a fréquenté le lycée David E. Rue Jr. à partir de 1928, [37] et le lycée A. J. Demarest (rebaptisé depuis Hoboken High School) en 1931, où il a organisé des groupes pour les danses scolaires. [36] Il est parti sans avoir obtenu son diplôme, n'ayant assisté que 47 jours avant d'être expulsé pour " chahut général ". [38] Pour faire plaisir à sa mère, il s'est inscrit à la Drake Business School, mais est parti au bout de 11 mois. [36] Dolly a trouvé Sinatra comme livreur au Observateur de Jersey journal, où travaillait son parrain Frank Garrick, [f] et après cela, Sinatra était riveteuse au chantier naval Tietjen and Lang. [40] Il a joué dans des clubs sociaux locaux de Hoboken tels que The Cat's Meow et The Comedy Club et a chanté gratuitement sur des stations de radio telles que WAAT à Jersey City. [41] À New York, Sinatra a trouvé des emplois en chantant pour son souper ou pour des cigarettes. [36] Pour améliorer son discours, il a commencé à prendre des cours d'élocution pour un dollar chacun de l'entraîneur vocal John Quinlan, qui était l'une des premières personnes à remarquer sa gamme vocale impressionnante. [42]

Hoboken Four, Harry James et Tommy Dorsey (1935-1939) Modifier

Sinatra a commencé à chanter professionnellement à l'adolescence, mais il a appris la musique à l'oreille et n'a jamais appris à lire la musique. [43] [44] Il a obtenu sa première pause en 1935 lorsque sa mère a persuadé un groupe de chant local, les 3 Flashs, de le laisser se joindre. Fred Tamburro, le baryton du groupe, a déclaré que « Frank traînait autour de nous comme si nous étions des dieux ou quelque chose du genre », admettant qu'ils ne l'avaient embarqué que parce qu'il possédait une voiture [g] et pouvait conduire le groupe. Sinatra a vite appris qu'ils auditionnaient pour le L'heure amateur du major Bowes spectacle, et a « supplié » le groupe de le laisser participer à l'acte. [46] Avec Sinatra, le groupe est devenu connu sous le nom de Hoboken Four et a passé une audition d'Edward Bowes pour apparaître sur le L'heure amateur du major Bowes spectacle. Ils ont chacun gagné 12,50 $ pour l'apparence [47] et ont fini par attirer 40 000 votes et ont remporté le premier prix – un contrat de six mois pour se produire sur scène et à la radio à travers les États-Unis. [48] ​​Sinatra est devenu rapidement le chanteur principal du groupe et, à la grande jalousie de ses collègues membres du groupe, a attiré la plupart de l'attention des filles. [49] [h] En raison du succès du groupe, Bowes a continué à leur demander de revenir, déguisés sous différents noms, variant de "The Secaucus Cockamamies" à "The Bayonne Bacalas". [32]

En 1938, Sinatra trouva un emploi comme serveur chanteur dans un relais routier appelé "The Rustic Cabin" à Englewood Cliffs, New Jersey, pour lequel il était payé 15 $ par semaine. [51] Le relais routier était connecté à la station de radio WNEW à New York, et il a commencé à jouer avec un groupe en direct pendant la Défilé de danse spectacle. [52] Malgré le bas salaire, Sinatra a estimé que c'était la pause qu'il recherchait et s'est vanté auprès de ses amis qu'il allait « devenir si grand que personne ne pourrait jamais le toucher ». [53] En mars 1939, le saxophoniste Frank Mane, qui connaissait Sinatra de la station de radio de Jersey City WAAT où tous les deux se produisaient en direct, s'arrangea pour qu'il auditionne et enregistre « Our Love », son premier enregistrement solo en studio. [54] [i] En juin, le chef d'orchestre Harry James, qui avait entendu Sinatra chanter sur "Dance Parade", a signé un contrat de deux ans de 75 $ par semaine un soir après un spectacle au Paramount Theatre à New York. [55] [j] C'était avec la bande de James que Sinatra a sorti son premier disque commercial " Du fond de mon coeur " en juillet. Pas plus de 8 000 exemplaires du disque ont été vendus [59] et d'autres disques publiés avec James jusqu'en 1939, tels que "Tout ou rien du tout", ont également eu de faibles ventes lors de leur sortie initiale. [60] Grâce à sa formation vocale, Sinatra pouvait maintenant chanter deux tons plus haut et a développé un répertoire qui comprenait des chansons telles que "My Buddy", "Willow Weep for Me", "It's Funny to Everyone but Me", "Here Comes la nuit", "Sur une petite rue de Singapour", "Ciribiribin" et "Chaque jour de ma vie". [61]

Sinatra est devenu de plus en plus frustré par le statut du groupe Harry James, estimant qu'il n'obtenait pas le succès majeur et les éloges qu'il recherchait. Son pianiste et ami proche Hank Sanicola l'a persuadé de rester avec le groupe, [62] mais en novembre 1939, il a quitté James pour remplacer Jack Leonard [k] en tant que chanteur principal du groupe Tommy Dorsey. Sinatra a gagné 125 $ par semaine, apparaissant à la Palmer House à Chicago [63] et James a libéré Sinatra de son contrat. [64] [l] Le 26 janvier 1940, il a fait sa première apparition publique avec le groupe au Coronado Theatre à Rockford, Illinois, [66] en ouvrant le spectacle avec "Stardust". [67] Dorsey se souvient : « On pouvait presque sentir l'excitation sortir de la foule quand le gamin se levait pour chanter. Souvenez-vous, il n'était pas une idole de la matinée. tellement étonné que j'en oublie presque de prendre mes propres solos". [68] Dorsey était une influence majeure sur Sinatra et est devenu une figure paternelle. Sinatra a copié les manières et les traits de Dorsey, devenant un perfectionniste exigeant comme lui, adoptant même son passe-temps des trains jouets. Il a demandé à Dorsey d'être le parrain de sa fille Nancy en juin 1940. [69] Sinatra a dit plus tard que "Les deux seules personnes dont j'ai jamais eu peur sont ma mère et Tommy Dorsey". [70] Bien que Kelley prétende que Sinatra et le batteur Buddy Rich étaient des rivaux acharnés, [m] d'autres auteurs déclarent qu'ils étaient amis et même colocataires lorsque le groupe était sur la route, mais la jalousie professionnelle a fait surface car les deux hommes voulaient être considérés comme la star. du groupe de Dorsey. Plus tard, Sinatra a aidé Rich à former son propre groupe avec un prêt de 25 000 $ et a fourni une aide financière à Rich pendant les périodes de grave maladie du batteur. [72]

Au cours de sa première année avec Dorsey, Sinatra a enregistré plus de quarante chansons. Le premier succès vocal de Sinatra était la chanson « Polka Dots and Moonbeams » fin avril 1940. [73] Deux autres apparitions dans les charts ont suivi avec « Say It » et « Imagination », qui était le premier hit de Sinatra dans le top 10. [73] Sa quatrième apparition dans les charts était "Je ne sourirai plus jamais", en tête des charts pendant douze semaines à partir de la mi-juillet. [74] D'autres disques avec Tommy Dorsey publiés par RCA Victor incluent "Our Love Affair" et "Stardust" en 1940 "Oh! Look at Me Now", "Dolores", "Everything Happens to Me" et "This Love of Mine " en 1941 " Juste comme si tu étais là ", " Emmène-moi " et " Il y a de telles choses " en 1942 et " Tout a recommencé ", " Dans le bleu du soir " et " C'est toujours toi " en 1943. [75] Alors que son succès et sa popularité grandissaient, Sinatra poussa Dorsey à lui permettre d'enregistrer quelques chansons en solo. Dorsey a finalement cédé et le 19 janvier 1942, Sinatra a enregistré "Night and Day", "The Night We Called It a Day", "The Song is You" et "Lamplighter's Serenade" lors d'une session d'enregistrement Bluebird, avec Axel Stordahl comme arrangeur et chef d'orchestre. [76] Sinatra a d'abord entendu les enregistrements au Hollywood Palladium et à Hollywood Plaza et a été étonné de voir à quel point il sonnait bien. Stordahl se souvient : "Il n'en croyait tout simplement pas ses oreilles. Il était tellement excité, on aurait presque cru qu'il n'avait jamais enregistré auparavant. Je pense que ce fut un tournant dans sa carrière. Je pense qu'il a commencé à voir ce qu'il pourrait faire sur son posséder". [77]

Après les enregistrements de 1942, Sinatra pensait qu'il devait se lancer en solo, [78] avec un désir insatiable de rivaliser avec Bing Crosby, [n] mais il était entravé par son contrat qui donnait à Dorsey 43% des revenus de la vie de Sinatra dans l'industrie du divertissement. [79] Une bataille juridique s'ensuivit, finalement réglée en août 1942. [80] [o] Le 3 septembre 1942, Dorsey fit ses adieux à Sinatra, disant au moment du départ de Sinatra : « J'espère que vous tomberez sur le cul », [79 ] mais il a été plus aimable à l'antenne lorsqu'il a remplacé Sinatra par le chanteur Dick Haymes. [64] Des rumeurs ont commencé à se répandre dans les journaux selon lesquelles le parrain du gangster de Sinatra, Willie Moretti, a contraint Dorsey à laisser Sinatra de son contrat pour quelques milliers de dollars, tenant un pistolet sur sa tête. [82] [p] Sinatra a persuadé Stordahl de quitter Dorsey avec lui et de devenir son arrangeur personnel, lui offrant 650 $ par mois, cinq fois le salaire de Dorsey. [84] Dorsey et Sinatra, qui avaient été très proches, n'ont jamais concilié leurs différences. Jusqu'à sa mort en novembre 1956, Dorsey a parfois fait des commentaires mordants sur Sinatra à la presse tels que "c'est l'homme le plus fascinant du monde, mais ne mettez pas la main dans la cage". [85]

Début de Sinatramania et rôle dans la Seconde Guerre mondiale (1942-1945) Modifier

Parfaitement simple : c'était les années de guerre et il y avait une grande solitude, et j'étais le garçon dans toutes les pharmacies du coin, le garçon qui était parti enrôlé à la guerre. C'est tout.

En mai 1941, Sinatra était en tête des sondages des chanteurs masculins en Panneau d'affichage et DownBeat les magazines. [87] Son appel aux bobby soxers, comme on appelait les adolescentes de cette époque, a révélé un tout nouveau public pour la musique populaire, qui avait été enregistrée principalement pour les adultes jusqu'à cette époque. [88] Le phénomène est devenu officiellement connu sous le nom de « Sinatramania » après son « ouverture légendaire » au Paramount Theatre de New York le 30 décembre 1942. [79] Selon Nancy Sinatra, Jack Benny a dit plus tard : « Je pensais que ce foutu bâtiment allait s'effondrer. Je n'ai jamais entendu une telle agitation. Tout cela pour un type dont je n'ai jamais entendu parler. [89] Sinatra a joué pendant quatre semaines au théâtre, son acte suivant l'orchestre de Benny Goodman, après quoi son contrat a été renouvelé pour encore quatre semaines par Bob Weitman en raison de sa popularité. Il est devenu connu sous le nom de "Swoonatra" ou "The Voice", et ses fans "Sinatratics". Ils ont organisé des réunions et envoyé des masses de lettres d'adoration, et quelques semaines après le spectacle, quelque 1 000 fan clubs de Sinatra avaient été signalés à travers les États-Unis. [90] Le publiciste de Sinatra, George Evans, a encouragé les interviews et les photographies avec les fans et était l'homme responsable de représenter Sinatra comme un italo-américain vulnérable, timide avec une enfance difficile qui a réussi. [91] Lorsque Sinatra est revenu au Paramount en octobre 1944, seules 250 personnes ont quitté le premier spectacle et 35 000 fans laissés à l'extérieur ont provoqué une quasi-émeute, connue sous le nom de Columbus Day Riot, à l'extérieur du lieu parce qu'ils n'étaient pas autorisés à entrer. [92] [93] [94] Telle était la dévotion des bobby-soxer envers Sinatra qu'ils étaient connus pour écrire les titres des chansons de Sinatra sur leurs vêtements, soudoyer les femmes de chambre pour avoir l'occasion de toucher son lit et aborder sa personne sous la forme de vol de vêtements qu'il portait, le plus souvent son nœud papillon. [95]

Sinatra a signé avec Columbia Records en tant qu'artiste solo le 1er juin 1943 lors de la grève des musiciens de 1942 à 1944. [96] Columbia Records a réédité la version d'août 1939 de Harry James et Sinatra de "Tout ou rien du tout", [65] qui a atteint le numéro 2 le 2 juin et était sur la liste des meilleures ventes pendant 18 semaines. [97] Il a d'abord eu un grand succès, [98] et a joué à la radio sur Votre Hit Parade de février 1943 à décembre 1944, [99] et sur scène. Columbia voulait de nouveaux enregistrements de leur star grandissante le plus rapidement possible, alors Alec Wilder a été embauché comme arrangeur et chef d'orchestre pour plusieurs sessions avec un groupe vocal appelé les Bobby Tucker Singers. [100] Ces premières sessions ont eu lieu le 7 juin, le 22 juin, le 5 août et le 10 novembre 1943. Sur les neuf chansons enregistrées au cours de ces sessions, sept figuraient sur la liste des meilleures ventes. [101] Cette année-là, il a également fait sa première apparition en solo dans une boîte de nuit au Riobamba de New York, [102] et un concert réussi dans la salle Wedgewood du prestigieux Waldorf-Astoria New York cette année-là a assuré sa popularité dans la haute société new-yorkaise. [103] Sinatra a sorti « Vous ne le saurez jamais », « Près de vous », « Dimanche, lundi ou toujours » et « Les gens diront que nous sommes amoureux » en tant que singles. À la fin de 1943, il était plus populaire dans un DownBeat sondage que Bing Crosby, Perry Como, Bob Eberly et Dick Haymes. [104]

Sinatra n'a pas servi dans l'armée pendant la Seconde Guerre mondiale. Le 11 décembre 1943, il est officiellement classé 4-F ("Inscrivant pas acceptable pour le service militaire") par son tableau de bord à cause d'un tympan perforé. Cependant, les dossiers de l'armée américaine ont rapporté que Sinatra n'était « pas un matériau acceptable d'un point de vue psychiatrique », mais son instabilité émotionnelle était cachée pour éviter « un désagrément excessif à la fois pour la personne sélectionnée et le service d'intronisation ». [105] Brièvement, il y avait des rumeurs rapportées par le chroniqueur Walter Winchell que Sinatra a payé 40 000 $ pour éviter le service, mais le FBI a trouvé cela sans fondement. [106] [107] [108] Vers la fin de la guerre, Sinatra a diverti les troupes pendant plusieurs tournées USO d'outre-mer réussies avec le comédien Phil Silvers. [109] Au cours d'un voyage à Rome, il a rencontré le Pape, qui lui a demandé s'il était un ténor d'opéra. [110] Sinatra a travaillé fréquemment avec les populaires Andrews Sisters à la radio dans les années 1940, [111] et de nombreuses émissions USO ont été diffusées aux troupes via le Service de radio des forces armées (AFRS). [112] En 1944, Sinatra a sorti "I couldn't Sleep a Wink Last Night" en single et a enregistré sa propre version du "White Christmas" de Crosby, et l'année suivante, il a sorti "I Dream of You (More Than You Dream I Do)", "Saturday Night (est la nuit la plus solitaire de la semaine)", "Dream" et "Nancy (with the Laughing Face)" en tant que singles. [113]

Années Columbia et effondrement de carrière (1946-1952) Modifier

Bien qu'il ait été fortement impliqué dans l'activité politique en 1945 et 1946, au cours de ces deux années, Sinatra a chanté dans 160 émissions de radio, enregistré 36 fois et tourné quatre films. En 1946, il se produisait sur scène jusqu'à 45 fois par semaine, chantait jusqu'à 100 chansons par jour et gagnait jusqu'à 93 000 $ par semaine. [114]

En 1946, Sinatra sort « Oh ! What it Seemed to Be », « Day by Day », « They Say It's Wonderful », « Five Minutes More » et « The Coffee Song » en tant que singles, [115] et lance son premier album , La voix de Frank Sinatra, [116] qui a atteint le n ° 1 sur le palmarès Billboard. William Ruhlmann d'AllMusic a écrit que Sinatra « prenait le matériel très au sérieux, chantant les paroles d'amour avec le plus grand sérieux », et que son « chant et les réglages influencés de manière classique donnaient aux chansons une profondeur de sens inhabituelle ». [117] Il vendait bientôt dix millions de disques par an. [118] Telle était la commande de Sinatra à Columbia que son amour de la direction a été livré avec la sortie de l'ensemble Frank Sinatra dirige la musique d'Alec Wilder, une offre peu susceptible de plaire au noyau de fans de Sinatra à l'époque, qui était composé d'adolescentes. [119] L'année suivante, il sort son deuxième album, Chansons de Sinatra, avec des chansons d'une humeur et d'un tempo similaires telles que "How Deep is the Ocean?" d'Irving Berlin. et "All The Things You Are" de Harold Arlen et Jerome Kern. [120] "Mam'selle", composé par Edmund Goulding avec des paroles de Mack Gordon pour le film La lame du rasoir (1946), [121] est sorti en single. [115] Sinatra avait des versions de compétition d'Art Lund, Dick Haymes, Dennis Day et The Pied Pipers ont également atteint le top dix du Panneau d'affichage graphiques. [122] En décembre, il a enregistré "Sweet Lorraine" avec les Metronome All-Stars, mettant en vedette des musiciens de jazz talentueux tels que Coleman Hawkins, Harry Carney et Charlie Shavers, avec Nat King Cole au piano, dans ce que Charles L. Granata décrit comme "un des moments forts de l'époque colombienne de Sinatra". [123]

Le troisième album de Sinatra, Chansons de Noël de Sinatra, a été initialement publié en 1948 sous forme d'album 78 tours, [124] et un LP de 10" est sorti deux ans plus tard. [125] Lorsque Sinatra a été présenté en tant que prêtre dans Le miracle des cloches, en raison de la négativité de la presse entourant ses prétendues relations avec la mafia à l'époque, [q] il a été annoncé au public que Sinatra ferait don de ses 100 000 $ de salaire du film à l'Église catholique. [126] À la fin de 1948, Sinatra avait glissé au quatrième DownBeat Sondage annuel des chanteurs les plus populaires (derrière Billy Eckstine, Frankie Laine et Bing Crosby). [128] et l'année suivante, il a été chassé des premières places dans les sondages pour la première fois depuis 1943. [129] Franchement sentimental (1949) a été éreinté par DownBeat, qui a commenté que « malgré tout son talent, il prend rarement vie ». [130]

Bien que "The Hucklebuck" ait atteint le top dix, [131] c'était son dernier single sous le label Columbia. [115] Les deux derniers albums de Sinatra avec Columbia, Dédié à toi et Chantez et dansez avec Frank Sinatra, ont été libérés en 1950. [132] Sinatra présentera plus tard un certain nombre de Chantez et dansez avec Frank Sinatra les chansons de l'album, dont "Lover", "It's Only a Paper Moon", "It All Depends on You", sur sa sortie Capitol 1961, La session swing de Sinatra. . [133]

Cimenter le creux de sa carrière a été la mort du publiciste George Evans d'une crise cardiaque en janvier 1950 à 48 ans. il avait joué un rôle crucial dans sa carrière et sa popularité auprès des bobbysoxers. [134] La réputation de Sinatra a continué à décliner lorsque des rapports ont éclaté en février sur sa liaison avec Ava Gardner et la destruction de son mariage avec Nancy, [135] bien qu'il ait insisté sur le fait que son mariage était terminé depuis longtemps avant même d'avoir rencontré Gardner. [136] En avril, Sinatra a été engagé pour se produire au club Copa à New York, mais a dû annuler cinq jours de la réservation en raison d'une hémorragie sous-muqueuse de la gorge. [137] Evans a dit une fois que chaque fois que Sinatra souffrait d'une mauvaise gorge et d'une perte de voix, c'était toujours dû à une tension émotionnelle qui "le détruisait absolument". [138]

En difficulté financière à la suite de son divorce et du déclin de sa carrière, Sinatra a été contraint d'emprunter 200 000 $ à Columbia pour payer ses arriérés d'impôt après que MCA ait refusé de verser l'argent. [139] Rejeté par Hollywood, il s'est tourné vers Las Vegas et a fait ses débuts au Desert Inn en septembre 1951, [140] et a également commencé à chanter au Riverside Hotel à Reno, Nevada. Sinatra est devenu l'un des pionniers du divertissement en résidence à Las Vegas [141] et une figure éminente de la scène de Vegas à partir des années 1950 et 1960, une période décrite par Rojek comme le « point culminant » de « l'hédonisme et l'absorption de soi » de Sinatra. Rojek note que le Rat Pack « a fourni un débouché pour les plaisanteries grégaires et les sarcasmes », mais soutient qu'il s'agissait du véhicule de Sinatra, possédant un « contrôle inattaquable sur les autres artistes ». [142] Sinatra volerait à Las Vegas depuis Los Angeles dans l'avion monomoteur de Van Heusen. [143] Le 4 octobre 1953, Sinatra a fait sa première représentation au Sands Hotel and Casino, après une invitation du directeur Jack Entratter, [144] qui avait auparavant travaillé à la Copa à New York. [145] Sinatra s'y produit généralement trois fois par an et acquiert plus tard une part de l'hôtel. [146] [r]

Le déclin de la popularité de Sinatra était évident lors de ses apparitions en concert. Lors d'une brève course au Paramount à New York, il a attiré un petit public. [150] Au Desert Inn à Las Vegas, il s'est produit dans des maisons à moitié remplies de sauvages et d'éleveurs. [151] Lors d'un concert à Chez Paree à Chicago, seulement 150 personnes dans une salle de 1 200 places se sont présentées pour le voir. [152] En avril 1952, il se produisait à la Foire du comté de Kauai à Hawaï. [153] La relation de Sinatra avec Columbia Records se désintégrait aussi, avec l'exécutif d'A&R Mitch Miller affirmant qu'il "ne pouvait pas donner" les disques du chanteur. 150 156] Columbia et MCA l'ont abandonné plus tard cette année-là. [158] Son dernier enregistrement en studio pour Columbia, "Pourquoi essayez de me changer maintenant", a été enregistré à New York le 17 septembre 1952, avec un orchestre arrangé et dirigé par Percy Faith. [159] Le journaliste Burt Boyar a observé : « Sinatra l'avait eu. C'était triste. De haut en bas dans une horrible leçon. [150]

Reprise de carrière et années du Capitole (1953-1962) Modifier

La sortie du film D'ici jusqu'à l'éternité en août 1953 marque le début d'un renouveau de carrière remarquable. [160] Tom Santopietro note que Sinatra a commencé à s'enterrer dans son travail, avec un "programme frénétique sans précédent d'enregistrements, de films et de concerts", [161] dans ce que les auteurs Anthony Summers et Robbyn Swan décrivent comme "une nouvelle et brillante phase" . [162] Le 13 mars 1953, Sinatra a rencontré le vice-président de Capitol Records Alan Livingston et a signé un contrat d'enregistrement de sept ans. [163] Sa première session pour Capitol a eu lieu dans les studios KHJ au Studio C, 5515 Melrose Avenue à Los Angeles, sous la direction d'Axel Stordahl. [164] La session a produit quatre enregistrements, y compris "Je marche derrière vous", [165] le premier single de Sinatra Capitol. [166] Après avoir passé deux semaines en extérieur à Hawaï pour le tournage D'ici jusqu'à l'éternité, Sinatra est revenu à KHJ le 30 avril pour sa première session d'enregistrement avec Nelson Riddle, un arrangeur et chef d'orchestre établi à Capitol qui était le directeur musical de Nat King Cole. [167] Après avoir enregistré la première chanson, "J'ai le monde sur une corde", Sinatra a offert à Jedusor une expression rare d'éloge, "Beautiful!", [168] et après avoir écouté les playbacks, il n'a pas pu cacher son enthousiasme, s'exclamant : "Je suis de retour, bébé, je suis de retour !" [169]

Au cours des sessions suivantes en mai et novembre 1953, [170] Sinatra et Riddle ont développé et affiné leur collaboration musicale, Sinatra fournissant des conseils spécifiques sur les arrangements. [169] Premier album de Sinatra pour Capitol, Chansons pour les jeunes amoureux, est sorti le 4 janvier 1954 et comprenait "A Foggy Day", "I Get a Kick Out of You", "My Funny Valentine", "Violets for Your Furs" et " They Can't Take That Away from Me ", [171] chansons qui sont devenues des incontournables de ses derniers concerts. [32] [172] Ce même mois, Sinatra a sorti le single "Young at Heart", qui a atteint le numéro 2 et a reçu la chanson de l'année. [173] [174] [175] [t] En mars, il a enregistré et sorti le single "Three Coins in the Fountain", une "ballade puissante" [178] qui a atteint le numéro 4. [179] Le deuxième album de Sinatra avec Cribler, Balancez-vous facilement !, qui reflétait son "amour pour l'idiome du jazz" selon Granata, [180] est sorti le 2 août de la même année et comprenait "Just One of These Things", "Taking a Chance on Love", "Get Happy" et "Tout de moi". [179] [181] Balancez-vous facilement ! a été nommé Album de l'année par Panneau d'affichage, et il a également été nommé "Favorite Male Vocalist" par Panneau d'affichage, DownBeat, et Métronome cette année. [182] [183] ​​Sinatra est venu à considérer Jedusor comme "le plus grand arrangeur du monde", [184] et Jedusor, qui considérait Sinatra "un perfectionniste", [169] a fait l'éloge du chanteur, observant, "Ce n'est pas seulement que ses intuitions quant aux tempi, au phrasé et même à la configuration sont étonnamment justes, mais son goût est si impeccable . il n'y a toujours personne qui puisse l'approcher." [184]

En 1955, Sinatra a publié Aux petites heures, son premier LP de 12", [185] avec des chansons telles que " In the Wee Small Hours of the Morning ", " Mood Indigo ", " Glad to Be Unhappy " et " When Your Lover Has Gone ". [186] Selon Granata, c'était son premier album concept à faire une "déclaration persuasive unique", avec un programme étendu et une "humeur mélancolique". [180] Sinatra entame sa première tournée en Australie la même année. [187] Une autre collaboration avec Riddle entraîné le développement de Chansons pour Swingin' Lovers !, parfois considéré comme l'un de ses meilleurs albums, sorti en mars 1956. [188] Il contient un enregistrement de "I've Got You Under My Skin" de Cole Porter, [189] quelque chose auquel Sinatra a prêté un soin méticuleux, prendre un rapport de 22 prises pour se perfectionner. [190]

Ses sessions d'enregistrement de février 1956 ont inauguré les studios du Capitol Records Building [191] avec un orchestre symphonique de 56 musiciens. [192] Selon Granata, ses enregistrements de "Night and Day", "Oh! Look At Me Now" et "From This Moment On" ont révélé "de puissantes connotations sexuelles, étonnamment obtenues grâce à la tension croissante et à la libération de la meilleure voix taquine de Sinatra lignes", tandis que son enregistrement de "River, Stay 'Way from My Door" en avril a démontré son "brillance en tant qu'improvisateur syncopé". [193] Jedusor a dit que Sinatra prenait "un plaisir particulier" à chanter "La Dame est un Clochard", commentant qu'il "a toujours chanté cette chanson avec une certaine dose de salace", faisant "des tours de repère" avec les paroles. [194] Son penchant pour la direction se manifeste à nouveau dans les années 1956 Frank Sinatra dirige des poèmes de couleur, un album instrumental qui a été interprété comme une catharsis de sa relation ratée avec Gardner. [195] Aussi cette année-là, Sinatra a chanté à la Convention nationale démocrate et a joué avec The Dorsey Brothers pendant une semaine peu de temps après au Paramount Theatre. [196]

En 1957, Sinatra a publié Près de vous, Une affaire de swing ! et Où es-tu?—son premier album en stéréo, avec Gordon Jenkins. [197] Granata considère que "Close to You" a été thématiquement son album concept le plus proche de la perfection pendant l'ère "d'or", et le meilleur travail de Nelson Riddle, qui était "extrêmement progressif" selon les normes de l'époque. Il est structuré comme une pièce en trois actes, chacun commençant par les chansons « With Every Breath I Take », « Blame It On My Youth » et « It could Happen to You ». [198] Pour Granata, Sinatra Une affaire de swing ! et prédécesseur de la musique swing Chansons pour Swingin' Lovers ! solidifié "l'image de Sinatra comme un 'échangiste', à la fois d'un point de vue musical et visuel". Buddy Collette considérait que les albums de swing avaient été fortement influencés par Sammy Davis Jr., et a déclaré que lorsqu'il travaillait avec Sinatra au milieu des années 1960, il abordait une chanson très différemment de ce qu'il avait fait au début des années 1950. [190] Le 9 juin 1957, il a joué dans un concert de 62 minutes dirigé par Riddle au Seattle Civic Auditorium, [199] sa première apparition à Seattle depuis 1945. [172] L'enregistrement a d'abord été publié en tant que bootleg, mais en 1999, Artanis Entertainment Group l'a officiellement publié sous le nom de Sinatra '57 en concert album live, après la mort de Sinatra. [200] En 1958, Sinatra sort l'album concept Viens voler avec moi avec Billy May, conçu comme un tour du monde musical. [201] Il a atteint la première place du palmarès des albums Billboard au cours de sa deuxième semaine, restant au sommet pendant cinq semaines, [202] et a été nominé pour le Grammy Award pour l'album de l'année aux Grammy Awards inauguraux. [203] La chanson titre, "Come Fly With Me", écrite spécialement pour lui, deviendrait l'un de ses standards les plus connus. [204] Le 29 mai, il a enregistré sept chansons en une seule session, plus du double du rendement habituel d'une session d'enregistrement et un huitième était prévu, "Lush Life", mais Sinatra l'a trouvé trop exigeant techniquement. [205] En septembre, Sinatra a libéré Frank Sinatra chante pour Only the Lonely, une collection austère de chansons de saloon [u] introspectives et de ballades teintées de blues qui se sont avérées un énorme succès commercial, passant 120 semaines sur le palmarès des albums Billboards et culminant au n ° 1. [207] Des extraits de ce LP, tels que "Angel Eyes " et " One for My Baby (and One More for the Road) ", resteraient des incontournables des segments " saloon song " des concerts de Sinatra. [208]

En 1959, Sinatra sort Viens danser avec moi!, un album très réussi et acclamé par la critique qui est resté dans le palmarès des albums Pop de Billboard pendant 140 semaines, culminant au n ° 2. Il a remporté le Grammy Award de l'album de l'année, ainsi que la meilleure performance vocale, homme et meilleur arrangement pour Billy May . [209] Il a également libéré Personne ne s'y intéresse la même année, une collection de chansons de torche « sombres et solitaires », que le critique Stephen Thomas Erlewine considérait comme « presque aussi bonnes que son prédécesseur Où es-tu?, mais il lui manquait les arrangements « luxuriants » et la « mélancolie grandiose » de Seuls les solitaires. [210]

Selon les mots de Kelley, en 1959, Sinatra n'était « pas simplement le chef du Rat Pack » mais avait « assumé la position de il padrone à Hollywood". La 20th Century Fox lui a demandé d'être le maître de cérémonie lors d'un déjeuner auquel assistait le Premier ministre soviétique Nikita Khrouchtchev le 19 septembre 1959. [211] Agréable et facile, un recueil de ballades, couronne le Panneau d'affichage graphique en octobre 1960 et est resté dans les graphiques pendant 86 semaines, [212] remportant des applaudissements critiques. [213] [214] Granata a noté la qualité de "son ambiant réaliste" de Agréable et facile, la perfection de l'équilibre stéréo et le son "audacieux, brillant et vif" du groupe. Il a souligné la sensation "ferme, chaude et nette" de la voix de Sinatra, en particulier sur les chansons "September in the Rain", "I Concentrate on You" et "My Blue Heaven". [215]

Années de reprise (1961-1981) Modifier

Sinatra est devenu mécontent à Capitol et est tombé dans une querelle avec Alan Livingston, qui a duré plus de six mois. [215] Sa première tentative de posséder son propre label était avec sa poursuite d'acheter le label de jazz en déclin, Verve Records, qui a pris fin une fois qu'un accord initial avec le fondateur de Verve, Norman Granz, " n'a pas réussi à se matérialiser ". [216] Il a décidé de former son propre label, Reprise Records [217] et, dans un effort pour affirmer sa nouvelle direction, s'est temporairement séparé de Riddle, May et Jenkins, travaillant avec d'autres arrangeurs tels que Neil Hefti, Don Costa et Quincy Jones. [218] Sinatra a construit l'appel de Reprise Records comme un dans lequel les artistes se sont vu promettre un contrôle créatif sur leur musique, ainsi qu'une garantie qu'ils finiraient par acquérir "la propriété complète de leur travail, y compris les droits d'édition". [219] Sous Sinatra, la société s'est développée en une « centrale électrique » de l'industrie musicale et il l'a vendue plus tard pour environ 80 millions de dollars. [220] Son premier album sur le label, Ring-a-Ding-Ding ! (1961), a été un grand succès, culminant au n°4 le Panneau d'affichage. [221] L'album est sorti en février 1961, le même mois où Reprise Records a sorti Ben Webster's Les humeurs chaleureuses, Sammy Davis Jr. Le Wham de Sam, Mavis River's Mavis et Joe E. Lewis C'est maintenant l'heure de la publication. [222] Pendant les premières années de Reprise, Sinatra était encore sous contrat pour enregistrer pour Capitol, complétant son engagement contractuel avec la sortie de Point de non retour, enregistré sur une période de deux jours les 11 et 12 septembre 1961. [223]

En 1962, Sinatra sort Sinatra et cordes, un ensemble de ballades standard arrangées par Don Costa, qui est devenue l'une des œuvres les plus acclamées par la critique de toute la période Reprise de Sinatra. Frank Jr., qui était présent lors de l'enregistrement, a noté le "grand orchestre", qui, selon Nancy Sinatra, "a ouvert une toute nouvelle ère" dans la musique pop, avec des orchestres de plus en plus grands, embrassant un "son de cordes luxuriant". [224] Sinatra et Count Basie ont collaboré pour l'album Sinatra-Basie la même année, [225] une sortie populaire et réussie qui les a incités à rejoindre deux ans plus tard pour le suivi Ça pourrait aussi bien être du swing, arrangé par Quincy Jones. [226] Les deux sont devenus des interprètes fréquents ensemble, [227] et sont apparus au Newport Jazz Festival en 1965. [187] Également en 1962, en tant que propriétaire de sa propre maison de disques, Sinatra a pu à nouveau monter sur le podium en tant que chef d'orchestre. , sort son troisième album instrumental Frank Sinatra dirige la musique d'images et de pièces de théâtre. [191]

En 1963, Sinatra retrouve Nelson Riddle pour Le Concert Sinatra, un album ambitieux mettant en vedette un orchestre symphonique de 73 musiciens arrangé et dirigé par Riddle. Le concert a été enregistré sur une scène sonore de notation cinématographique à l'aide de plusieurs machines d'enregistrement synchronisées qui utilisaient un signal optique sur un film 35 mm conçu pour les bandes sonores de films. Granata considère que l'album a été "impeachable" [sic], "l'un des meilleurs des albums de ballades Sinatra-Riddle", dans lequel Sinatra a affiché une gamme vocale impressionnante, en particulier dans "Ol' Man River", dans lequel il assombrit la teinte. [228]

En 1964, la chanson "My Kind of Town" a été nominée pour l'Oscar de la meilleure chanson originale. [229] Sinatra libéré Doucement, alors que je te laisse, [230] et a collaboré avec Bing Crosby et Fred Waring sur Amérique, je t'entends chanter, une collection de chansons patriotiques enregistrées en hommage au président assassiné John F. Kennedy. [231] [232] Sinatra s'est de plus en plus impliqué dans des activités caritatives au cours de cette période. En 1961 et 1962, il se rend au Mexique, dans le seul but de monter des spectacles pour des œuvres caritatives mexicaines, [v] et en juillet 1964, il est présent pour la dédicace du Centre international de la jeunesse Frank Sinatra pour les enfants arabes et juifs à Nazareth. [234]

Le succès phénoménal de Sinatra en 1965, coïncidant avec son 50e anniversaire, a incité Panneau d'affichage pour proclamer qu'il a peut-être atteint le « pic de son éminence ». [235] En juin 1965, Sinatra, Sammy Davis Jr. et Dean Martin ont joué en direct à St. Louis au profit de Dismas House, un centre de rééducation et de formation des prisonniers avec des programmes nationaux qui aidaient en particulier à servir les Afro-Américains. Le concert Rat Pack, appelé The Frank Sinatra Spectacular, a été diffusé en direct par satellite dans de nombreux cinémas à travers l'Amérique. [236] [237] L'album Septembre de mes années est sorti en septembre 1965 et a remporté le Grammy Award du meilleur album de l'année. [238] Granata considère que l'album a été l'une des plus belles de ses années Reprise, "un retour réfléchi aux disques conceptuels des années 1950, et plus que n'importe laquelle de ces collections, distille tout ce que Frank Sinatra avait jamais appris ou vécu en tant que un chanteur". [239] L'un des singles de l'album, "C'était une très bonne année", a remporté le Grammy Award de la meilleure interprétation vocale masculine. [240] Une anthologie de carrière, Un homme et sa musique, suivi en novembre, remportant l'album de l'année aux Grammys l'année suivante. [241]

En 1966, Sinatra sort C'est la vie, avec à la fois le single de "That's Life" et l'album devenant le Top Ten aux États-Unis sur Panneau d'affichage les charts pop. [242] Etrangers dans la nuit est allé au sommet de la Panneau d'affichage et les graphiques de singles pop britanniques, [243] [244] remportant le prix du Record de l'année aux Grammys. [245] Le premier album live de Sinatra, Sinatra aux sables, a été enregistré en janvier et février 1966 au Sands Hotel and Casino de Las Vegas. Sinatra était soutenu par le Count Basie Orchestra, dirigé par Quincy Jones. [246] Sinatra s'est retiré des Sables l'année suivante, quand il a été chassé par son nouveau propriétaire Howard Hughes, après un combat. [247] [w]

Sinatra a commencé 1967 avec une série de sessions d'enregistrement avec Antônio Carlos Jobim. Il a enregistré une de ses collaborations avec Jobim, l'album nominé aux Grammy Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim, qui a été l'un des albums les plus vendus de l'année, derrière celui des Beatles Sgt. Groupe du club Pepper's Lonely Hearts. [252] Selon Santopietro, l'album "se compose d'un mélange extraordinairement efficace de bossa nova et de voix de jazz légèrement oscillantes et réussit à créer une ambiance ininterrompue de romance et de regret". [253] L'écrivain Stan Cornyn a écrit que Sinatra chantait si doucement sur l'album que c'était comparable au temps où il souffrait d'une hémorragie vocale en 1950. [254]

Sinatra a également sorti l'album Le monde que nous connaissions, qui présente un duo en tête des charts de "Somethin' Stupid" avec sa fille Nancy. [243] [255] En décembre, Sinatra a collaboré avec Duke Ellington sur l'album Francis A. & Edward K.. [256] Selon Granata, l'enregistrement de "Indian Summer" sur l'album était un favori de Riddle, notant "l'humeur contemplative [qui] est renforcée par un solo de saxophone alto de Johnny Hodges qui vous fera pleurer". [257] En pensant à Sinatra, l'auteur-compositeur-interprète Paul Anka a écrit la chanson "My Way", en utilisant la mélodie du "Comme d'habitude" français ("Comme d'habitude"), composée par Claude François et Jacques Revaux. [258] Sinatra l'a enregistré juste après Noël 1968. [259] "My Way", la chanson la plus connue de Sinatra sur le label Reprise, n'a pas été un succès instantané, se classant au 27e rang aux États-Unis et au 5e rang au Royaume-Uni, [ 260] mais il est resté dans les charts britanniques pendant 122 semaines, dont 75 semaines non consécutives dans le Top 40, entre avril 1969 et septembre 1971, ce qui était encore un record en 2015. [261] [262] Sinatra a déclaré au compositeur Ervin Drake dans les années 1970 qu'il « détestait » chanter la chanson, parce qu'il croyait que le public penserait que c'était un « hommage auto-glorifiant », professant qu'il « détestait la vantardise chez les autres ». [263]

Dans un effort pour maintenir sa viabilité commerciale à la fin des années 1960, Sinatra enregistrera des œuvres de Paul Simon ("Mrs. Robinson"), des Beatles ("Hier") et de Joni Mitchell ("Both Sides, Now") en 1969. [264]

"Retraite" et retour (1970-1981) Modifier

En 1970, Sinatra sort Ville d'eau, un album concept acclamé par la critique, avec une musique de Bob Gaudio (des Quatre Saisons) et des paroles de Jake Holmes. [265] Cependant, il ne s'est vendu qu'à 30 000 exemplaires cette année-là et a atteint un sommet de 101 dans les charts. [266] Il a quitté le Caesars Palace en septembre de la même année après un incident où le dirigeant Sanford Waterman a tiré une arme sur lui. [x] Il a donné plusieurs concerts de charité avec Count Basie au Royal Festival Hall de Londres. [270] Le 2 novembre 1970, Sinatra a enregistré les dernières chansons pour Reprise Records avant sa retraite volontaire, [271] a annoncé le juin suivant lors d'un concert à Hollywood pour collecter des fonds pour le Motion Picture and TV Relief Fund. [272] Il a donné une interprétation « entraînante » de « That's Life », et a terminé le concert avec une chanson de Matt Dennis et Earl Brent, « Angel Eyes » qu'il avait enregistrée sur l'album Only The Lonely en 1958. [273] Il a chanté la dernière ligne. "'Scusez-moi pendant que je disparais." Le projecteur s'est éteint et il a quitté la scène. [274] Il a dit LA VIE journaliste Thomas Thompson que « j'ai des choses à faire, comme si la première chose n'était pas de faire n'importe quoi du tout pendant huit mois. peut-être un an », [275] tandis que Barbara Sinatra a affirmé plus tard que Sinatra était devenu « fatigué de divertir les gens, surtout quand tout ce qu'ils voulaient vraiment étaient les mêmes vieux airs dont il s'était ennuyé depuis longtemps ». [276] Pendant qu'il était dans retraite, le président Richard Nixon lui a demandé de se produire lors d'un rassemblement des jeunes électeurs en prévision de la campagne à venir. Sinatra a accepté et a choisi de chanter "My Kind of Town" pour le rassemblement qui s'est tenu à Chicago le 20 octobre 1972. [277]

En 1973, Sinatra sort de sa courte retraite avec un spécial télévisé et un album. L'album, intitulé Ol' Blue Eyes est de retour, [266] arrangé par Gordon Jenkins et Don Costa, [278] a été un succès, atteignant le numéro 13 le Panneau d'affichage et numéro 12 au Royaume-Uni. [279] [280] Le spécial télé, Magnavox présente Frank Sinatra, a réuni Sinatra avec Gene Kelly. Il a d'abord développé des problèmes avec ses cordes vocales lors du retour en raison d'une période prolongée sans chanter. [281] Ce Noël, il s'est produit à l'hôtel Sahara à Las Vegas, [282] et est retourné au Caesars Palace le mois suivant en janvier 1974, bien qu'il s'était juré de s'y produire à nouveau [sic]. [283] Il a commencé ce que Barbara Sinatra décrit comme "une tournée de retour massive des États-Unis, de l'Europe, de l'Extrême-Orient et de l'Australie". [284] En juillet, lors d'une deuxième tournée en Australie, [285] il a provoqué un tollé en décrivant les journalistes là-bas - qui poursuivaient agressivement chacun de ses gestes et poussaient pour une conférence de presse - comme "des clochards, des parasites, des pédés et des mâles". - et demi prostituées". [286] Après avoir subi des pressions pour s'excuser, Sinatra a plutôt insisté pour que les journalistes s'excusent pour « quinze ans d'abus que j'ai pris de la presse mondiale ». Les actions syndicales ont annulé des concerts et immobilisé l'avion de Sinatra, le piégeant essentiellement en Australie. [287] En fin de compte, l'avocat de Sinatra, Mickey Rudin, s'est arrangé pour que Sinatra publie une note de conciliation écrite et un concert final qui a été télévisé à la nation. [288] En octobre 1974, il est apparu au Madison Square Garden de New York dans un concert télévisé qui a ensuite été publié sous forme d'album sous le titre L'événement principal – En direct. Il était soutenu par le chef d'orchestre Woody Herman and the Young Thundering Herd, qui a accompagné Sinatra lors d'une tournée européenne plus tard dans le mois. [289] [290]

En 1975, Sinatra a donné des concerts à New York avec Count Basie et Ella Fitzgerald, et au London Palladium avec Basie et Sarah Vaughan, et à Téhéran au stade Aryamehr, donnant 140 représentations en 105 jours. [291] En août il a tenu plusieurs concerts consécutifs au lac Tahoe avec le chanteur nouvellement levé John Denver, [292] [293] qui est devenu un collaborateur fréquent. [294] Sinatra avait enregistré "Leaving on a Jet Plane" et "My Sweet Lady" de Denver pour Société Sinatra & (1971), [295] [296] et selon Denver, sa chanson "A Baby Just Like You" a été écrite à la demande de Sinatra pour sa nouvelle petite-fille, Angela. [297] Pendant le week-end de la fête du Travail en 1976, Sinatra était responsable de réunir de vieux amis et partenaires de comédie Dean Martin et Jerry Lewis pour la première fois en près de vingt ans, lorsqu'ils se sont produits au "Jerry Lewis MDA Telethon". [298] [299] Cette année-là, le Friars Club l'a sélectionné comme le « Meilleur nom du box-office du siècle », et il a reçu le prix Scopus des amis américains de l'Université hébraïque de Jérusalem en Israël et un docteur honoris causa en Humane Letters de l'Université du Nevada. [291]

Sinatra a continué à se produire au Caesars Palace à la fin des années 1970 et y jouait en janvier 1977 lorsque sa mère Dolly est décédée dans un accident d'avion alors qu'elle se rendait le voir. [300] [y] [302] Il a annulé deux semaines de spectacles et a passé du temps à se remettre du choc à la Barbade. [303] En mars, il s'est produit devant la princesse Margaret au Royal Albert Hall de Londres, recueillant des fonds pour la Société nationale pour la prévention de la cruauté envers les enfants. [304] Le 14 mars, il a enregistré avec Nelson Riddle pour la dernière fois, enregistrant les chansons "Linda", "Sweet Loraine" et "Barbara". [305] Les deux hommes se sont disputés et ont ensuite aplani leurs différends en janvier 1985 lors d'un dîner organisé pour Ronald Reagan, lorsque Sinatra a demandé à Jedusor de faire un autre album avec lui. Jedusor était malade à l'époque et est décédé en octobre, avant qu'ils n'aient eu la chance d'enregistrer. [306]

En 1978, Sinatra a intenté une action en justice d'un million de dollars contre un promoteur immobilier pour avoir utilisé son nom dans le « Frank Sinatra Drive Center » à West Los Angeles. [307] Lors d'une soirée au Caesars en 1979, il a reçu le Grammy Trustees Award, tout en célébrant 40 ans dans le monde du spectacle et son 64e anniversaire. [308] [309] Cette année-là, l'ancien président Gerald Ford a décerné à Sinatra le prix de l'homme international de l'année, [310] et il s'est produit devant les pyramides égyptiennes pour Anwar Sadat, qui a collecté plus de 500 000 $ pour les œuvres caritatives de la femme de Sadate. [304]

En 1980, le premier album de Sinatra en six ans est sorti, Trilogie : Passé Présent Futur, un triple album très ambitieux qui présente un éventail de chansons de l'ère pré-rock et de l'ère rock. [311] C'était le premier album studio de Sinatra à présenter son pianiste en tournée à l'époque, Vinnie Falcone, et était basé sur une idée de Sonny Burke. [312] L'album a remporté six nominations aux Grammy Awards - remportant les meilleures notes de pochette - et a culminé au numéro 17 sur le palmarès des albums de Billboard, [311] et a engendré une autre chanson qui deviendrait une chanson de signature, "Theme from New York, New York" . [305] Cette année-là, dans le cadre du Concert des Amériques, il s'est produit au stade Maracanã à Rio de Janeiro, au Brésil, qui a battu des records pour la "plus grande audience payée en direct jamais enregistrée pour un artiste solo". [313] L'année suivante, Sinatra s'appuie sur le succès de Trilogie avec Elle m'a abattu, un album qui a été salué pour incarner le ton sombre de ses années Capitol. [314] Toujours en 1981, Sinatra a été impliqué dans une controverse lorsqu'il a travaillé pour un engagement de dix jours pour 2 millions de dollars à Sun City, dans le Bophuthatswana internationalement non reconnu, brisant un boycott culturel contre l'Afrique du Sud de l'ère de l'apartheid. Le président Lucas Mangope a décerné à Sinatra la plus haute distinction, l'Ordre du léopard, et l'a nommé chef de tribu honoraire. [315]

Carrière plus tardive (1982-1998) Modifier

Santopietro a déclaré qu'au début des années 1980, la voix de Sinatra s'était « rugueuse, perdant une grande partie de sa puissance et de sa flexibilité, mais le public s'en fichait ». [316] En 1982, il signe un contrat de 16 millions de dollars sur trois ans avec le Golden Nugget de Las Vegas. Kelley note qu'à cette période, la voix de Sinatra était devenue « plus sombre, plus dure et plus loamie », mais il « a continué à captiver le public avec sa magie immuable ». Elle a ajouté que sa voix de baryton « craquait parfois, mais les intonations glissantes suscitaient toujours les mêmes ravissements de joie qu'au Paramount Theatre ». [317] Cette année-là, il a rapporté 1,3 million de dollars supplémentaires grâce aux droits télévisés de Showtime pour son "Concert des Amériques" en République dominicaine, 1,6 million de dollars pour une série de concerts au Carnegie Hall et 250 000 $ en une seule soirée au Chicago Fest. . Il a fait don d'une grande partie de ses gains à des œuvres caritatives. [318] Il a donné une représentation à la Maison Blanche pour le premier ministre italien et a joué au Radio City Music Hall avec Luciano Pavarotti et George Shearing. [319]

Sinatra a été sélectionné comme l'un des cinq récipiendaires des Kennedy Center Honors 1983, aux côtés de Katherine Dunham, James Stewart, Elia Kazan et Virgil Thomson. Citant Henry James, le président Reagan a déclaré en honorant son vieil ami que « l'art était l'ombre de l'humanité » et que Sinatra avait « passé sa vie à projeter une ombre magnifique et puissante ». [320] Le 21 septembre 1983, Sinatra a déposé une action en justice de 2 millions de dollars contre Kitty Kelley, la poursuivant en dommages-intérêts punitifs, avant sa biographie non officielle, Sa manière, a même été publié. Le livre est devenu un best-seller pour « toutes les mauvaises raisons » et « la biographie de célébrités la plus révélatrice de notre époque », selon William Safire de Le New York Times. [321] Sinatra a toujours été catégorique sur le fait qu'un tel livre serait écrit selon ses conditions, et lui-même « mettrait les choses au clair » dans les détails de sa vie. [322] Selon Kelley, la famille la détestait ainsi que le livre, ce qui a eu des conséquences néfastes sur la santé de Sinatra. Kelley prétend que Tina Sinatra l'a blâmée pour la chirurgie du côlon de son père en 1986. [323] Il a été contraint d'abandonner l'affaire le 19 septembre 1984, plusieurs journaux de premier plan exprimant leurs inquiétudes quant à ses opinions sur la censure. [324]

En 1984, Sinatra a travaillé avec Quincy Jones pour la première fois en près de deux décennies sur l'album, LA est ma dame, qui a été bien accueilli par la critique. [325] L'album était un substitut à un autre projet de Jones, un album de duos avec Lena Horne, qui a dû être abandonné. [z] En 1986, Sinatra s'est effondré sur scène alors qu'il se produisait à Atlantic City et a été hospitalisé pour une diverticulite, [327] qui l'a rendu fragile. [328] Deux ans plus tard, Sinatra retrouve Martin et Davis et participe au Rat Pack Reunion Tour, au cours duquel ils jouent dans de nombreuses grandes arènes. Lorsque Martin a abandonné la tournée dès le début, une rupture s'est développée entre eux et les deux ne se sont plus jamais parlé. [329]

Le 6 juin 1988, Sinatra fait ses derniers enregistrements avec Reprise pour un album qui n'est pas sorti. Il a enregistré "My Foolish Heart", "Cry Me A River" et d'autres chansons. Sinatra n'a jamais terminé le projet, mais le numéro 18 de "My Foolish Heart" peut être entendu dans Les enregistrements complets de Reprise Studio (1995). [330]

En 1990, Sinatra a reçu le deuxième "Ella Award" de la Society of Singers de Los Angeles, et a joué pour la dernière fois avec Ella Fitzgerald lors de la cérémonie de remise des prix. [331] Sinatra a maintenu un programme de tournées actif au début des années 1990, donnant 65 concerts en 1990, 73 en 1991 et 84 en 1992 dans dix-sept pays différents. [332]

En 1993, Sinatra est retourné à Capitol Records et au studio d'enregistrement pour Duos, qui est devenu son album le plus vendu. [333] L'album et sa suite, Duos II, sorti l'année suivante, [334] verrait Sinatra refaire ses enregistrements classiques avec des artistes contemporains populaires, qui ont ajouté leur voix à une bande préenregistrée. [335] Au cours de ses tournées au début des années 1990, sa mémoire lui a parfois fait défaut lors de concerts, et il s'est évanoui sur scène à Richmond, Virginie, en mars 1994. [336] Ses derniers concerts publics ont eu lieu au Fukuoka Dome au Japon le 19 décembre -20, 1994. [337] L'année suivante, Sinatra a chanté pour la dernière fois le 25 février 1995, devant un public de 1200 invités sélectionnés au Palm Desert Marriott Ballroom, lors de la soirée de clôture du golf Frank Sinatra Desert Classic tournoi. [338] Écuyer rapporté de l'émission que Sinatra était « clair, dur, sur l'argent » et « en contrôle absolu ». [339] Sinatra a reçu le Legend Award aux Grammy Awards 1994, où il a été présenté par Bono, qui a dit de lui : « Frank est le président de la mauvaise attitude. Le rock 'n roll joue à être dur, mais ce type est le patron – le président du patron. Je ne vais pas jouer avec lui, n'est-ce pas ?" [340] [341]

En 1995, pour marquer le 80e anniversaire de Sinatra, l'Empire State Building a brillé en bleu. [342] Un hommage d'anniversaire étoilé, Sinatra : 80 ans à ma façon, a eu lieu au Shrine Auditorium à Los Angeles, avec des artistes tels que Ray Charles, Little Richard, Natalie Cole et Salt-N-Pepa chantant ses chansons. [343] À la fin du programme, Sinatra a joué pour la dernière fois sur scène pour chanter les notes finales du "Thème de New York, New York" avec un ensemble. [344] En reconnaissance de ses nombreuses années d'association avec Las Vegas, Frank Sinatra a été élu au Gaming Hall of Fame en 1997. [345]

Bien que Sinatra n'ait jamais appris à bien lire la musique, il en avait une compréhension fine et naturelle [346] et il a travaillé très dur dès son plus jeune âge pour améliorer ses capacités dans tous les aspects de la musique. [347] Il pouvait suivre une feuille de plomb lors d'une représentation en « suivant soigneusement les modèles et les groupements de notes disposés sur la page » et a fait ses propres notations à la musique, en utilisant son oreille pour détecter les différences semi-tonales. [348] Granata déclare que certains des musiciens de formation classique les plus accomplis ont rapidement remarqué sa compréhension musicale et ont remarqué que Sinatra avait un « sixième sens », qui « a fait preuve d'une compétence inhabituelle lorsqu'il s'agissait de détecter des notes et des sons incorrects au sein de l'orchestre ». [349] Sinatra était un aficionado de musique classique, [350] et demandait souvent des tensions classiques dans sa musique, inspirées par des compositeurs tels que Puccini et des maîtres impressionnistes. Son préféré était Ralph Vaughan Williams. [351] Il insisterait pour toujours enregistrer en direct avec le groupe parce que cela lui donnait un "certain sentiment" de se produire en direct entouré de musiciens. [352] Au milieu des années 1940, sa compréhension de la musique était telle qu'après avoir entendu une vérification aérienne de certaines compositions d'Alec Wilder qui étaient pour cordes et bois, il devint le chef d'orchestre chez Columbia Records pour six des compositions de Wilder : " Air for Oboe ", "Air pour cor anglais", "Air pour flûte", "Air pour basson", "Slow Dance" et "Thème et variations". [aa] Les œuvres, qui combinent des éléments de jazz et de musique classique, étaient considérées par Wilder comme faisant partie des meilleures interprétations et enregistrements de ses compositions, passées ou présentes. [346] Lors d'une session d'enregistrement avec l'arrangeur Claus Ogerman et un orchestre, Sinatra a entendu "un couple de petits étrangers" dans la section des cordes, incitant Ogerman à apporter des corrections à ce que l'on pensait être des erreurs de copiste. [346] Le critique Gene Lees, parolier et auteur des paroles de la mélodie de Jobim "This Happy Madness", a exprimé sa stupéfaction lorsqu'il a entendu l'enregistrement de Sinatra sur Société Sinatra & (1971), considérant qu'il a livré les paroles à la perfection. [353]

Le coach vocal John Quinlan a été impressionné par la gamme vocale de Sinatra, remarquant : « Il a beaucoup plus de voix que les gens ne le pensent. [42] En tant que chanteur, au début il a été principalement influencé par Bing Crosby, [35] mais a cru plus tard que Tony Bennett était "le meilleur chanteur dans les affaires". [354] Bennett a également fait l'éloge de Sinatra lui-même, affirmant qu'en tant qu'interprète, il avait « perfectionné l'art de l'intimité ». [355] Selon Nelson Riddle, Sinatra avait une "voix assez longiligne", [ab] remarquant que "Sa voix a un son très strident et insistant dans le registre supérieur, un son lyrique doux dans le registre moyen et un son très tendre son dans le grave. Sa voix est construite sur un goût infini, avec une inflexion globale de sexe. Il pointe tout ce qu'il fait d'un point de vue sexuel". [356] Malgré son fort accent du New Jersey, selon Richard Schuller, lorsque Sinatra chantait, son accent était à peine détectable, sa diction devenant « précise » et son articulation « méticuleuse ». [356] Son timing était impeccable, lui permettant, selon Charles L. Granata, de "jouer avec le rythme d'une mélodie, apportant une excitation énorme à sa lecture d'une parole". [357] Tommy Dorsey a observé que Sinatra "prendrait une phrase musicale et la jouerait tout au long apparemment sans respirer pendant huit, dix, peut-être seize mesures".Dorsey a eu une influence considérable sur les techniques de Sinatra pour son phrasé vocal avec son propre contrôle exceptionnel de la respiration au trombone, [358] et Sinatra nageait régulièrement et retenait son souffle sous l'eau, pensant aux paroles de chansons pour augmenter sa puissance respiratoire. [68]

—Barbara Sinatra sur la voix et la compréhension musicale de Sinatra. [359]

Des arrangeurs tels que Nelson Riddle et Anthony Fanzo ont trouvé que Sinatra était un perfectionniste qui se conduisait constamment lui-même et les autres autour de lui, déclarant que ses collaborateurs l'approchaient avec un sentiment de malaise en raison de son tempérament imprévisible et souvent instable. [360] Granata commente que Sinatra était presque fanatiquement obsédé par la perfection au point que les gens ont commencé à se demander s'il était vraiment préoccupé par la musique ou s'il montrait son pouvoir sur les autres. [123] Les jours où il sentait que sa voix n'était pas juste, il le savait après seulement quelques notes et remettait la session d'enregistrement au lendemain, tout en payant quand même ses musiciens. [361] Après une période d'exécution, Sinatra s'est fatiguée de chanter un certain ensemble de chansons et était toujours à la recherche de nouveaux auteurs-compositeurs et compositeurs talentueux avec qui travailler. Une fois qu'il en a trouvé ceux qu'il aimait, il a activement cherché à travailler avec eux aussi souvent qu'il le pouvait et s'est lié d'amitié avec beaucoup d'entre eux. Il a dit un jour à Sammy Cahn, qui a écrit des chansons pour Les ancres pèsent, "si tu n'es pas là lundi, je ne suis pas là lundi". Au fil des ans, il a enregistré 87 chansons de Cahn, dont 24 composées par Jule Styne et 43 par Jimmy Van Heusen. Le partenariat Cahn-Styne a duré de 1942 à 1954, date à laquelle Van Heusen lui a succédé en tant que compositeur principal de Sinatra. [362]

Contrairement à beaucoup de ses contemporains, Sinatra a insisté sur une contribution directe concernant les arrangements et les tempos de ses enregistrements. Il passait des semaines à réfléchir aux chansons qu'il voulait enregistrer et gardait un arrangeur en tête pour chaque chanson. Si c'était une chanson d'amour douce, il demanderait Gordon Jenkins. S'il s'agissait d'un numéro « rythmique », il penserait à Billy May, ou peut-être à Neil Hefti ou à un autre arrangeur préféré. Jenkins considérait que le sens musical de Sinatra était infaillible. Ses changements dans les graphiques de Jedusor frustreraient Jedusor, mais il concédait généralement que les idées de Sinatra étaient supérieures. [363] Barbara Sinatra note que Sinatra créditait presque toujours l'auteur-compositeur à la fin de chaque numéro, et faisait souvent des commentaires au public, tels que « N'est-ce pas une jolie ballade » ou « Ne pensez-vous pas que c'est la chanson d'amour la plus merveilleuse", livrée avec "un plaisir enfantin". [364] Elle déclare qu'après chaque spectacle, Sinatra serait « d'humeur dynamique et chargée d'électricité, un état d'esprit après le spectacle qui lui prendrait des heures pour redescendre alors qu'il revivait tranquillement chaque note de la performance qu'il venait de donner. ". [365]

—Nelson Riddle notant le développement de la voix de Sinatra en 1955. [366]

La séparation de Sinatra avec Gardner à l'automne 1953 a eu un impact profond sur les types de chansons qu'il chantait et sur sa voix. Il a commencé à se consoler dans des chansons avec une « mélancolie couvante », comme « I'm a Fool to Want You », « Don't Worry 'Bout Me », « My One and Only Love » et « There Will Never Be Another You", [367] que Riddle croyait être l'influence directe d'Ava Gardner. Lahr commente que le nouveau Sinatra n'était "pas le gentil garçon balladeur des années 40. La fragilité avait disparu de sa voix, pour être remplacée par le sentiment de bonheur et de douleur d'un adulte viril". [368] L'auteur Granata considérait Sinatra comme un "maître de l'art de l'enregistrement", notant que son travail en studio "le distinguait des autres chanteurs doués". Au cours de sa carrière, il a réalisé plus de 1000 enregistrements. [369] Les sessions d'enregistrement duraient généralement trois heures, bien que Sinatra s'y préparât toujours en passant au moins une heure au piano à l'avance pour vocaliser, suivie d'une courte répétition avec l'orchestre pour assurer l'équilibre du son. [370] Au cours de ses années à Columbia, Sinatra a utilisé un microphone RCA 44, que Granata décrit comme "le microphone 'à l'ancienne' qui est étroitement associé à l'image de crooner de Sinatra des années 1940", bien qu'en se produisant plus tard dans des talk-shows, il ait utilisé une balle -formé RCA 77. [371] Au Capitole, il a utilisé un Neumann U47, un microphone " ultra-sensible " qui a mieux capturé le timbre et le ton de sa voix. [372]

Dans les années 1950, la carrière de Sinatra a été facilitée par les développements technologiques. Le LP de douze pouces pouvait désormais contenir jusqu'à seize chansons, ce qui permettait à Sinatra d'utiliser la chanson de manière romanesque, transformant chaque piste en une sorte de chapitre, qui construisait et contrepointait des ambiances pour éclairer un thème plus large". [373 ] Santopietro écrit que tout au long des années 1950 et jusque dans les années 1960, "Chaque LP de Sinatra était un chef-d'œuvre d'une sorte d'autre, qu'il s'agisse d'un tempo rapide, d'une chanson aux flambeaux ou d'affaires swing. Piste après piste, les albums conceptuels brillants ont redéfini la nature de l'art vocal pop". [374]

Débuts, films musicaux et effondrement de carrière (1941-1952) Modifier

Sinatra a tenté de poursuivre une carrière d'acteur à Hollywood au début des années 1940. Alors que les films l'attiraient, [375] étant exceptionnellement sûr de lui, [376] il était rarement enthousiaste à propos de son propre jeu d'acteur, remarquant une fois que "les images puent". [377] Sinatra a fait ses débuts au cinéma en jouant dans une séquence non créditée dans Nuits de Las Vegas (1941), chantant " I'll Never Smile Again " avec les Pied Pipers de Tommy Dorsey. [378] Il a joué un rôle de camée avec Duke Ellington et Count Basie dans Charles Barton Réveil avec Beverly (1943), faisant une brève apparition en chantant "Night and Day". [379] Ensuite, on lui confie des rôles principaux dans De plus en plus haut et Étape animée (tous deux en 1944) pour RKO. [380] [381]

Metro-Goldwyn-Mayer a choisi Sinatra face à Gene Kelly et Kathryn Grayson dans la comédie musicale Technicolor Les ancres pèsent (1945), dans lequel il incarne un marin en permission à Hollywood pendant quatre jours. [382] [383] Un succès majeur, [384] il a remporté plusieurs Oscars et nominations, et la chanson "I Fall in Love Too Easy", chantée par Sinatra dans le film, a été nominée pour l'Oscar du meilleur original Chanson. [385] Il apparaît brièvement à la fin du succès commercial de Richard Whorf Jusqu'à ce que les nuages ​​passent (1946), un biopic musical Technicolor de Jerome Kern, dans lequel il a chanté "Ol' Man River". [386]

Sinatra a de nouveau joué avec Gene Kelly dans la comédie musicale Technicolor Emmenez-moi au jeu de balle (1949), un film qui se déroule en 1908, dans lequel Sinatra et Kelly incarnent des joueurs de baseball qui sont des vaudevilliens à temps partiel. [387] Il fait équipe avec Kelly pour la troisième fois en Sur la ville (également en 1949), jouant un marin en permission à New York. Le film reste très bien noté par la critique, et en 2006, il s'est classé n ° 19 sur la liste des meilleures comédies musicales de l'American Film Institute. [388] Les deux Dynamite double (1951), une comédie RKO Irving Cummings produite par Howard Hughes, [389] et Joseph Pevney's Rencontrez Danny Wilson (1952) n'a pas réussi à faire bonne impression. [390] Le New York World Telegram et Sun a titré "Gone on Frankie in '42 Gone in '52". [391]

Retour en carrière et prime (1953-1959) Modifier

celui de Fred Zinnemann D'ici jusqu'à l'éternité (1953) traite des tribulations de trois soldats, interprétés par Burt Lancaster, Montgomery Clift et Sinatra, stationnés à Hawaï dans les mois qui ont précédé l'attaque de Pearl Harbor. [392] Sinatra avait longtemps désespéré de trouver un rôle dans un film qui le ramènerait sous les projecteurs, et le patron de Columbia Pictures, Harry Cohn, avait été inondé d'appels de personnes à travers Hollywood pour donner à Sinatra une chance de jouer le rôle de "Maggio" dans le film. [393] [ac] Pendant la production, Montgomery Clift est devenu un ami proche, [395] et Sinatra a professé plus tard qu'il "a appris plus d'agir de lui que n'importe qui que j'aie jamais connu auparavant". [396] Après plusieurs années de déclin critique et commercial, son Oscar du meilleur acteur de soutien l'a aidé à retrouver sa position de meilleur artiste d'enregistrement au monde. [397] Sa performance a également remporté un Golden Globe Award du meilleur acteur dans un second rôle - Film. [398] Le Examinateur de Los Angeles a écrit que Sinatra est « tout simplement superbe, comique, pitoyable, enfantin courageux, pathétiquement provocant », commentant que sa scène de mort est « l'une des meilleures jamais photographiées ». [399]

Sinatra a joué aux côtés de Doris Day dans le film musical Jeunes de cœur (1954), [400] et a reçu des éloges de la critique pour sa performance en tant que tueur psychopathe se faisant passer pour un agent du FBI face à Sterling Hayden dans le film noir Soudainement (aussi 1954). [401]

Sinatra a été nominé pour l'Oscar du meilleur acteur et le BAFTA du meilleur acteur dans un rôle principal pour son rôle d'héroïnomane dans L'homme au bras d'or (1955). [402] [annonce] Après des rôles dans Les gars et les poupées, [404] et Le piège tendre (tous deux en 1955), [405] Sinatra a été nominé pour un BAFTA Award du meilleur acteur dans un rôle principal pour son rôle d'étudiant en médecine dans les débuts de réalisateur de Stanley Kramer, Pas en tant qu'étranger (aussi en 1955). [406] Pendant la production, Sinatra s'est saoulé avec Robert Mitchum et Broderick Crawford et a saccagé la loge de Kramer. [407] Kramer a juré de ne plus jamais embaucher Sinatra à l'époque, et a regretté plus tard de l'avoir choisi comme chef de la guérilla espagnole dans La fierté et la passion (1957). [408] [409]

Sinatra en vedette aux côtés de Bing Crosby et Grace Kelly dans Haute société (1956) pour MGM, gagnant 250 000 $ pour l'image. [410] Le public s'est précipité dans les cinémas pour voir Sinatra et Crosby ensemble à l'écran, et il a fini par gagner plus de 13 millions de dollars au box-office, devenant l'une des images les plus lucratives de son année. [411] Il a joué aux côtés de Rita Hayworth et Kim Novak dans George Sidney's copain Joey (1957), Sinatra, pour lequel il a remporté le Golden Globe Award du meilleur acteur – comédie musicale ou comédie. [398] Santopietro considère que la scène dans laquelle Sinatra chante "La Dame est un clochard" à Hayworth a été le plus beau moment de sa carrière cinématographique. [412] Il a ensuite dépeint le comédien Joe E. Lewis dans Le Joker est sauvage (aussi 1957) [413] la chanson "All the Way" a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale. [414] En 1958, Sinatra était l'un des dix plus gros tirages au box-office aux États-Unis, [415] apparaissant avec Dean Martin et Shirley MacLaine dans Vincente Minnelli Certains sont venus en courant et Les rois partent (tous deux en 1958) avec Tony Curtis et Natalie Wood. [416] "High Hopes", chanté par Sinatra dans la comédie de Frank Capra, Un trou dans la tête (1959), [417] [418] a remporté l'Oscar de la meilleure chanson originale, [419] et est devenu un hit des charts, durant 17 semaines sur le Hot 100. [420]

Carrière plus tardive (1960-1980) Modifier

En raison d'une obligation qu'il avait envers la 20th Century Fox pour avoir quitté le tournage de Henry King's Carrousel (1956), [ae] Sinatra a joué aux côtés de Shirley MacLaine, Maurice Chevalier et Louis Jourdan dans Cancan (1960). Il a gagné 200 000 $ et 25 % des bénéfices de la performance. [421] À peu près à la même époque, il a joué dans le décor de Las Vegas l'océan 11 (également en 1960), le premier film à présenter le Rat Pack ensemble et le début d'une « nouvelle ère de l'écran cool » pour Santopietro. [422] Sinatra a personnellement financé le film et a payé à Martin et Davis des honoraires de 150 000 $ et 125 000 $ respectivement, sommes considérées comme exorbitantes pour la période. [423] Il tient le premier rôle face à Laurence Harvey dans Le candidat mandchou (1962), qu'il considérait comme le rôle qui l'excitait le plus et le point culminant de sa carrière cinématographique. [424] Vincent Canby, rédacteur pour le magazine Variété, a trouvé que la représentation du personnage de Sinatra était "un pro éveillé créant un personnage droit, calmement humoristique d'une certaine sensibilité". [425] Il est apparu avec le Rat Pack dans l'ouest Sergents 3 (également 1962), le suivant avec 4 pour le Texas (1963). [423] Pour sa performance dans Viens souffler ta corne (également en 1963) adapté de la pièce de Neil Simon, il a été nominé pour le Golden Globe Award du meilleur acteur - comédie musicale ou comédie. [398]

Sinatra réalisé Aucun mais les braves (1965), [426] et Von Ryan's Express (1965) a été un succès majeur, [427] [428] Cependant, au milieu des années 1960, Brad Dexter a voulu « insuffler une nouvelle vie » à la carrière cinématographique de Sinatra en l'aidant à afficher la même fierté professionnelle dans ses films que ses enregistrements. . À une occasion, il a donné le roman de Sinatra Anthony Burgess Une orange mécanique (1962) à lire, avec l'idée de faire un film, mais Sinatra pensait qu'il n'avait aucun potentiel et ne comprenait pas un mot. [429] [af]

À la fin des années 1960, Sinatra est devenu connu pour jouer aux détectives, [432] y compris Tony Rome dans Tony Rome (1967) et sa suite Dame en ciment (1968). [433] [434] Il a également joué un rôle similaire dans Le détective (1968). [435]

Sinatra a joué aux côtés de George Kennedy dans le western Sale Dingus Magee (1970), une affaire « abyssale » selon Santopietro, [436] qui a été éreintée par la critique. [437] [438] L'année suivante, Sinatra a reçu un Golden Globe Cecil B. DeMille Award [398] et avait l'intention de jouer le détective Harry Callahan dans Dirty Harry (1971), mais a dû refuser le rôle en raison du développement de la contracture de Dupuytren dans sa main. [439] Le dernier grand rôle au cinéma de Sinatra était aux côtés de Faye Dunaway dans Brian G. Hutton Le premier péché capital (1980). Santopietro a déclaré qu'en tant que flic des homicides troublés de New York, Sinatra a donné une caractérisation "extraordinairement riche", fortement stratifiée, qui "a fait un formidable adieu" à sa carrière cinématographique. [440]

Après avoir commencé le L'heure amateur du major Bowes émission de radio avec les Hoboken Four en 1935, et plus tard WNEW et WAAT à Jersey City, [52] Sinatra est devenu la vedette de ses propres émissions de radio sur NBC et CBS du début des années 1940 au milieu des années 1950. En 1942, Sinatra a embauché l'arrangeur Axel Stordahl loin de Tommy Dorsey avant qu'il ne commence son premier programme radio cette année-là, gardant Stordahl avec lui pour tout son travail à la radio. [441] À la fin de 1942, il est nommé « le chanteur masculin le plus populaire à la radio » dans un DownBeat sondage. [442] Au début, il travailla fréquemment avec The Andrews Sisters à la radio, et elles apparaissaient en tant qu'invités dans les émissions les unes des autres, [111] ainsi que dans de nombreuses émissions USO diffusées aux troupes via le Service radio des forces armées (AFRS). [112] Il est apparu en tant qu'invité spécial dans l'ABC des sœurs Ranch de huit à la barre série, [443] tandis que le trio a à son tour invité sur son Chansons de Sinatra série sur CBS. [444] Sinatra a eu deux passages en tant que membre régulier de la distribution de Votre Hit Parade [ag] son ​​premier était de 1943 à 1945, [446] et le deuxième était de 1946 au 28 mai 1949, [447] au cours de laquelle il a été jumelé avec la nouvelle chanteuse de l'époque, Doris Day. [448] À partir de septembre 1949, l'agence de publicité BBD&O produit une série radio avec Sinatra pour Lucky Strike intitulée Temps d'éclairage – quelque 176 émissions de 15 minutes mettant en vedette Frank et Dorothy Kirsten chantant – qui ont duré jusqu'en mai 1950. [449]

En octobre 1951, la deuxième saison de Le spectacle de Frank Sinatra a commencé sur CBS Television. En fin de compte, Sinatra n'a pas trouvé à la télévision le succès qu'il espérait. [ah] Santopietro écrit que Sinatra « n'est tout simplement jamais apparu pleinement à l'aise dans sa propre série télévisée, sa personnalité nerveuse et impatiente véhiculant une énergie refoulée sur le point d'exploser ». [451] En 1953, Sinatra a joué dans l'émission de radio NBC Fortune rocheuse, dépeignant Rocco Fortunato (alias Rocky Fortune), un travailleur temporaire "sans pied et sans fantaisie" pour l'agence pour l'emploi de Gridley qui se lance dans la résolution de crimes. La série a été diffusée sur la radio NBC les mardis soirs d'octobre 1953 à mars 1954. [452]

En 1957, Sinatra a conclu un contrat de 3 millions de dollars sur trois ans avec ABC pour lancer Le spectacle de Frank Sinatra, mettant en vedette lui-même et ses invités dans 36 émissions d'une demi-heure. ABC a accepté d'autoriser Hobart Productions de Sinatra à conserver 60% des résidus et a acheté des actions dans l'unité de production cinématographique de Sinatra, Kent Productions, lui garantissant 7 millions de dollars. [453] Bien qu'ayant remporté un premier succès critique à ses débuts le 18 octobre 1957, il a rapidement attiré des critiques négatives de la part de Variété et La Nouvelle République, et Le Chicago Sun-Times pensaient que Sinatra et l'invité fréquent Dean Martin « se comportaient comme une paire de délinquants adultes », « partageant la même cigarette et lorgnant les filles ». [454] En retour, Sinatra a fait plus tard de nombreuses apparitions sur Le spectacle de Dean Martin et les spéciaux télévisés de Martin. [455]

Quatrième et dernière spéciale TV Timex de Sinatra, Bienvenue chez Elvis, a été diffusé en mars 1960, gagnant des chiffres d'audience énormes. Pendant le spectacle, il a interprété un duo avec Presley, qui a chanté le tube "Witchcraft" de Sinatra en 1957 avec l'animateur interprétant le classique de Presley de 1956 "Love Me Tender". Sinatra avait déjà été très critique envers Elvis Presley et le rock and roll dans les années 1950, le décrivant comme un "aphrodisiaque déplorable, à l'odeur rance" qui "favorise des réactions presque totalement négatives et destructrices chez les jeunes". [456] [ai] Un spécial de CBS News sur le 50e anniversaire du chanteur, Frank Sinatra : Un homme et sa musique, a été diffusé le 16 novembre 1965 et a remporté à la fois un Emmy Award et un Peabody Award. [458]

Selon sa collaboration musicale avec Jobim et Ella Fitzgerald en 1967, Sinatra est apparu dans le spécial télévisé, Un homme et sa musique + Ella + Jobim, qui a été diffusé sur CBS le 13 novembre. [459] Lorsque Sinatra est sorti de sa retraite en 1973, il a sorti à la fois un album et est apparu dans un spécial télévisé nommé Ol' Blue Eyes est de retour. Le spécial télévisé a été mis en évidence par une lecture dramatique de "Send in the Clowns" et une séquence de chansons et de danses avec l'ancienne co-star Gene Kelly. [460] À la fin des années 1970, John Denver est apparu en tant qu'invité dans le Sinatra et ses amis ABC-TV Special, chantant "September Song" en duo. [461]

Sinatra a joué le rôle de détective dans Contrat sur Cherry Street (1977), cité comme son « rôle principal dans un téléfilm dramatique ». [462] Dix ans plus tard, il fait une apparition aux côtés de Tom Selleck dans Magnum, P.I., dans le rôle d'un policier à la retraite qui fait équipe avec Selleck pour retrouver le meurtrier de sa petite-fille. Tourné en janvier 1987, l'épisode a été diffusé sur CBS le 25 février. [463]

Sinatra a eu trois enfants, Nancy (née en 1940), Frank Jr. (1944-2016) et Tina (née en 1948), avec sa première épouse, Nancy Sinatra (née Barbato, 1917-2018), avec qui il a été marié de 1939 à 1951. [464] [465]

Sinatra avait rencontré Barbato à Long Branch, New Jersey à la fin des années 1930, où il avait passé la majeure partie de l'été à travailler comme sauveteur. [466] Il accepte de l'épouser après un incident à « La cabane rustique » qui a conduit à son arrestation. [aj] Sinatra a eu de nombreuses relations extraconjugales, [470] et les magazines de potins ont publié des détails sur des relations avec des femmes, dont Marilyn Maxwell, Lana Turner et Joi Lansing. [471] [ou]

—Barbara Sinatra sur la popularité de Sinatra auprès des femmes. [473]

Sinatra a été marié à l'actrice hollywoodienne Ava Gardner de 1951 à 1957. Ce fut un mariage mouvementé avec de nombreux combats et altercations bien médiatisés. [474] Le couple a officiellement annoncé sa séparation le 29 octobre 1953 par l'intermédiaire de la MGM. [475] Gardner a demandé le divorce en juin 1954, à une époque où elle sortait avec le matador Luis Miguel Dominguín, [476] mais le divorce n'a été réglé qu'en 1957. [477] Sinatra a continué à se sentir très fort pour elle, [477] et ils sont restés amis pour la vie. [478] Il s'occupait encore de ses finances en 1976. [479]

Sinatra aurait rompu ses fiançailles avec Lauren Bacall en 1958 [480] et Juliet Prowse en 1962. [481] Il a épousé Mia Farrow le 19 juillet 1966, un court mariage qui s'est terminé par un divorce au Mexique en août 1968. [482] Ils sont restés amis proches pour la vie, [483] et dans une interview de 2013, Farrow a déclaré que Sinatra pourrait être le père de son fils Ronan Farrow (né en 1987). [484] [485] Dans un 2015 CBS dimanche matin interview, Nancy Sinatra a rejeté la demande comme "absurde". [486]

Sinatra a été marié à Barbara Marx de 1976 jusqu'à sa mort. [487] Le couple s'est marié le 11 juillet 1976 à Sunnylands, à Rancho Mirage, en Californie, la succession du magnat des médias Walter Annenberg. [488]

Sinatra était un ami proche de Jilly Rizzo, de l'auteur-compositeur Jimmy Van Heusen, du golfeur Ken Venturi, du comédien Pat Henry et du manager de baseball Leo Durocher. [490] Dans ses temps libres, il aimait écouter de la musique classique et assistait à des concerts quand il le pouvait. [350] Il nageait quotidiennement dans l'océan Pacifique, trouvant cela thérapeutique et lui procurant la solitude dont il avait tant besoin. [491] Il jouait souvent au golf avec Venturi sur le parcours de Palm Springs, où il vivait, [492] et aimait peindre, lire et construire des chemins de fer miniatures. [493]

Bien que Sinatra ait critiqué l'église à de nombreuses reprises [494] et ait eu une vision panthéiste de Dieu à la Einstein dans sa vie antérieure, [495] il s'est tourné vers le catholicisme romain pour la guérison après la mort de sa mère dans un accident d'avion en 1977. Il est mort en tant que catholique pratiquant et a eu un enterrement catholique. [496]

Style et personnalité Modifier

Sinatra était connu pour son sens du style immaculé. [497] Il a dépensé sans compter pour des smokings sur mesure coûteux et des costumes élégants à rayures fines, ce qui l'a fait se sentir riche et important, et qu'il donnait le meilleur de lui-même au public. [498] [499] Il était aussi obsédé par la propreté — tandis qu'avec le groupe de Tommy Dorsey il développait le surnom de "Lady Macbeth", à cause des douches fréquentes et du changement de ses tenues. [500] Ses yeux bleus profonds lui ont valu le surnom populaire "Ol' Blue Eyes". [501]

Pour Santopietro, Sinatra était la personnification de l'Amérique des années 1950 : « arrogant, œil sur la chance principale, optimiste et plein de sens du possible ». [502] Barbara Sinatra a écrit : « Une grande partie du frisson de Frank était le sentiment de danger qu'il dégageait, une tension sous-jacente toujours présente que seuls ses proches savaient qu'elle pouvait être désamorcée avec humour ». [490] Cary Grant, un ami de Sinatra, a déclaré que Sinatra était la « personne la plus honnête qu'il ait jamais rencontrée », qui disait « une vérité simple, sans artifice qui effrayait les gens », et était souvent ému aux larmes par ses performances . [503] Jo-Carroll Dennison a commenté qu'il possédait " une grande force intérieure " et que son énergie et son dynamisme étaient " énormes ". [138] Bourreau de travail, il n'aurait dormi que quatre heures par nuit en moyenne. [504] Tout au long de sa vie, Sinatra a eu des sautes d'humeur et des épisodes de dépression légère à sévère, [505] déclarant à un intervieweur dans les années 1950 que « j'ai une capacité suraiguë de tristesse ainsi que d'exaltation ». [506] Barbara Sinatra a déclaré qu'il « s'en prendrait à n'importe qui pour le moindre délit », [507] tandis que Van Heusen a déclaré que lorsque Sinatra s'enivrait, il était « préférable de disparaître ». [508]

Les sautes d'humeur de Sinatra se sont souvent transformées en violence, dirigées contre les personnes qu'il sentait l'avoir croisé, en particulier les journalistes qui lui ont donné des critiques cinglantes, les publicistes et les photographes. [509] Selon Rojek, il était « capable d'un comportement profondément offensant qui sentait le complexe de persécution ». [510] Il a reçu une presse négative pour des combats avec Lee Mortimer en 1947, le photographe Eddie Schisser à Houston en 1950, le publiciste de Judy Garland Jim Byron sur le Sunset Strip en 1954, [509] [511] et pour une confrontation avec Washington Post journaliste Maxine Cheshire en 1973, dans laquelle il a laissé entendre qu'elle était une prostituée bon marché. [510] [tout]

Sa querelle avec alors-Heure du soleil de Chicago Le chroniqueur Mike Royko a commencé lorsque Royko a écrit une chronique demandant pourquoi la police de Chicago offrait une protection gratuite à Sinatra alors que le chanteur avait sa propre sécurité. Sinatra a envoyé une lettre de colère en réponse, qualifiant Royko de "proxénète" et menaçant de "vous donner un coup de poing dans la bouche" pour avoir spéculé qu'il portait une toupée. [512] Royko a vendu la lettre aux enchères, le produit allant à l'Armée du Salut. Le gagnant de l'enchère était Vie Carlson, mère de Bun E. Carlos du groupe rock Cheap Trick. Après avoir comparu sur Roadshow des antiquités, [513] Carlson a remis la lettre à Freeman's Auctioneers & Appraisers, qui l'a mise aux enchères en 2010. [514]

Sinatra était également connu pour sa générosité, [515] particulièrement après son retour. Kelley note que lorsque Lee J. Cobb a failli mourir d'une crise cardiaque en juin 1955, Sinatra l'a inondé de "livres, fleurs, friandises", a payé ses factures d'hôpital et lui a rendu visite quotidiennement, lui disant que son "meilleur jeu d'acteur" était encore venir. [516] Dans un autre cas, après une dispute avec le gérant Bobby Burns, plutôt que de s'excuser, Sinatra lui a acheté une toute nouvelle Cadillac. [517]

Liens présumés avec le crime organisé et Cal Neva Lodge Modifier

Sinatra est devenu le stéréotype de « l'italien-américain dur de la classe ouvrière », quelque chose qu'il a embrassé. Il a dit que sans son intérêt pour la musique, il se serait probablement retrouvé dans une vie de crime. [518] Willie Moretti était le parrain de Sinatra et le sous-chef notoire de la famille du crime génois, et il a aidé Sinatra en échange de pots-de-vin et serait intervenu pour libérer Sinatra de son contrat avec Tommy Dorsey. [519] Sinatra s'est rendu à la Conférence de la mafia à La Havane en 1946, [520] et la presse a appris qu'il était là avec Lucky Luciano. Un journal a publié le titre « Honte, Sinatra ». [521] Il a été signalé qu'il était un bon ami de Sam Giancana, [522] et les deux hommes ont été vus jouer au golf ensemble. [523] Kelley cite Jo-Carrol Silvers que Sinatra "adorait" Bugsy Siegel, et se vantait auprès de ses amis de lui et du nombre de personnes qu'il avait tuées. [524] Kelley prétend que Sinatra et le gangster Joseph Fischetti avaient été de bons amis à partir de 1938 et ont agi comme des "frères siciliens". [525] Elle déclare également que Sinatra et Hank Sanicola étaient des partenaires financiers de Mickey Cohen dans le magazine Gossip La vie nocturne d'Hollywood. [526]

Le FBI a conservé des archives de 2 403 pages sur Sinatra, qui était une cible naturelle avec ses prétendues relations avec la mafia, sa politique ardente du New Deal et son amitié avec John F. Kennedy. [527] Le FBI l'a gardé sous surveillance pendant près de cinq décennies à partir des années 1940. Les documents incluent des récits de Sinatra comme cible de menaces de mort et de plans d'extorsion. [528] Le FBI a documenté que Sinatra perdait de l'estime de la mafia alors qu'il se rapprochait du président Kennedy, dont le frère cadet, le procureur général Robert F. Kennedy, menait une répression contre le crime organisé. [529] Sinatra a nié l'implication de la Mafia : "Tout rapport que j'ai fraternisé avec des hommes de main ou des racketteurs est un mensonge vicieux". [530]

En 1960, Sinatra a acheté une part du Cal Neva Lodge & Casino, un hôtel-casino qui chevauche la frontière entre la Californie et le Nevada sur la rive nord du lac Tahoe. Sinatra a construit le théâtre Celebrity Room qui a attiré ses amis du show-business Red Skelton, Marilyn Monroe, Victor Borge, Joe E. Lewis, Lucille Ball, Lena Horne, Juliet Prowse, les sœurs McGuire et d'autres. En 1962, il aurait détenu 50% des parts de l'hôtel. [531] La licence de jeu de Sinatra a été temporairement retirée par le Nevada Gaming Control Board en 1963 après que Giancana a été repéré sur les lieux. [532] [matin] En raison de la pression continue du FBI et de la Nevada Gaming Commission sur le contrôle des casinos par les mafieux, Sinatra a accepté de céder sa part dans Cal Neva and the Sands. [534] Cette année-là, son fils Frank Jr. est kidnappé mais finalement relâché sain et sauf. [535] La licence de jeu de Sinatra a été restaurée en février 1981, suite au soutien de Ronald Reagan. [536]

Sinatra a eu des opinions politiques différentes tout au long de sa vie. Sa mère, Dolly Sinatra (1896-1977), était une dirigeante du Parti démocrate [537] et après avoir rencontré le président Franklin D. Roosevelt en 1944, il a ensuite fait campagne pour les démocrates lors de l'élection présidentielle de 1944. [538] Selon Jo Carroll Silvers, dans ses jeunes années, Sinatra avait des sympathies « ardentes libérales » et était « si préoccupé par les pauvres qu'il citait toujours Henry Wallace ». [539] Il s'est déclaré très tôt contre le racisme, en particulier envers les Noirs et les Italiens. En novembre 1945, Sinatra fut invité par le maire de Gary, dans l'Indiana, à tenter de régler une grève des étudiants blancs du lycée Froebel contre les politiques « pro-nègres » du nouveau directeur. [540] Ses commentaires, bien que loués par les publications libérales, ont conduit à des accusations par certains qu'il était un communiste, ce qu'il a fermement nié. [541] Lors de l'élection présidentielle de 1948, Sinatra a activement fait campagne pour le président Harry S. Truman. [542] En 1952 et 1956, il fait également campagne pour Adlai Stevenson. [542]

De tous les présidents américains avec lesquels il s'est associé au cours de sa carrière, il était le plus proche de John F. Kennedy. [542] Sinatra invitait souvent Kennedy à Hollywood et à Las Vegas, et les deux se faisaient des femmes et appréciaient les fêtes ensemble. [543] En janvier 1961, Sinatra et Peter Lawford ont organisé le gala inaugural à Washington, DC, qui s'est tenu la veille de la prestation de serment du président Kennedy. [542] Après avoir pris ses fonctions, Kennedy a décidé de rompre les liens avec Sinatra en raison, en partie, des liens du chanteur avec la mafia. [544] Son frère Robert, qui occupait le poste de procureur général et était connu pour avoir exhorté le directeur du FBI J. Edgar Hoover à mener encore plus de répression contre la mafia, [545] était encore plus méfiant envers Sinatra. [544]

En 1962, l'amitié de Sinatra avec Kennedy, qu'il a rencontré pour la première fois dans les années 1950, s'est officiellement terminée lorsque Kennedy a officiellement décidé de retirer Sinatra, qui n'a jamais repoussé les rumeurs d'affiliation avec la mafia, [544] de son « gang ». [546] Sinatra a été snobé par le président lors de sa visite à Palm Springs, où vivait Sinatra, lorsqu'il a décidé de rester avec le républicain Bing Crosby, en raison des inquiétudes du FBI concernant les liens présumés de Sinatra avec le crime organisé. [an] Bien qu'il ait également des liens avec la mafia, Crosby n'était pas disposé à donner autant d'indices publics que Sinatra. [548] Sinatra avait investi beaucoup de son propre argent dans la modernisation des installations de son domicile en prévision de la visite du président, en l'équipant d'un héliport, qu'il a ensuite brisé avec un marteau après avoir été rejeté. [549] [550] Malgré le camouflet, quand il a appris l'assassinat de Kennedy, il aurait sangloté dans sa chambre pendant trois jours. [542] [ainsi]

Sinatra a travaillé avec Hubert H. Humphrey en 1968, [552] et est resté un partisan du Parti démocrate jusqu'au début des années 1970. Bien qu'il soit toujours démocrate enregistré, Sinatra a soutenu le républicain Ronald Reagan pour un deuxième mandat en tant que gouverneur de Californie en 1970. [553] [542] Il a officiellement changé d'allégeance en juillet 1972 lorsqu'il a soutenu Richard Nixon pour sa réélection à l'élection présidentielle de 1972. [542]

Lors de l'élection présidentielle de 1980, Sinatra a soutenu Ronald Reagan et a fait un don de 4 millions de dollars à la campagne de Reagan. [554] Sinatra a organisé le gala présidentiel de Reagan, comme il l'avait fait pour Kennedy 20 ans auparavant. [555] [556] En 1985, Reagan a présenté à Sinatra la Médaille présidentielle de la liberté, en remarquant, "Son amour du pays, sa générosité pour les moins fortunés. font de lui l'un de nos Américains les plus remarquables et les plus distingués." [321]

Santopietro note que Sinatra était un « sympathisant de longue date avec les causes juives ». [557] Il a reçu le Hollzer Memorial Award de la communauté juive de Los Angeles en 1949. [131] Il a donné une série de concerts en Israël en 1962 et a fait don de la totalité de ses 50 000 $ pour avoir joué un rôle de camée dans Lancer une ombre géante (1966) au Centre des jeunes de Jérusalem. [557] Le 1er novembre 1972, il a levé 6,5 millions de dollars en gages obligataires pour Israël, [277] et a reçu le Médaillon de la Valeur pour ses efforts. [270] Le Frank Sinatra Student Center de l'Université hébraïque de Jérusalem a été inauguré en son nom en 1978. [310] Il possédait une calotte juive, connue sous le nom de kippa ou yarmulkah, qui a été vendue dans le cadre de la succession de sa femme plusieurs années après sa mort. [558]

Dès sa jeunesse, Sinatra a manifesté de la sympathie pour les Afro-Américains et a travaillé à la fois en public et en privé toute sa vie pour aider à la lutte pour l'égalité des droits. Il a blâmé les préjugés raciaux sur les parents d'enfants. [559] Sinatra a joué un rôle majeur dans la déségrégation des hôtels et casinos du Nevada dans les années 1950 et 1960. [560] Au Sands en 1955, Sinatra est allé à l'encontre de la politique en invitant Nat King Cole dans la salle à manger, [561] et en 1961, après un incident où un couple afro-américain est entré dans le hall de l'hôtel et a été bloqué par le garde de sécurité, Sinatra et Davis ont forcé la direction de l'hôtel à commencer à embaucher des serveurs et des garçons de service noirs. [562] Le 27 janvier 1961, Sinatra a joué un spectacle-bénéfice au Carnegie Hall pour Martin Luther King Jr. et a conduit ses collègues membres du Rat Pack et les collègues du label Reprise à boycotter les hôtels et les casinos qui refusaient l'entrée aux mécènes et aux artistes noirs. Selon son fils, Frank Jr., King pleurait dans le public lors de l'un des concerts de son père en 1963 alors que Sinatra chantait "Ol' Man River", une chanson de la comédie musicale. Afficher le bateau qui est chanté par un débardeur afro-américain. [563] Quand il a changé ses affiliations politiques en 1970, Sinatra est devenu moins franc sur les questions raciales. [320] Bien qu'il ait fait beaucoup pour les causes des droits civiques, cela n'a pas empêché les moqueries raciales occasionnelles de lui et des autres membres de la meute de Rats envers Davis lors de concerts. [200] [564]

Sinatra est décédé avec sa femme à ses côtés au Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles le 14 mai 1998, à l'âge de 82 ans, des suites d'une crise cardiaque. [565] [566] Sinatra était en mauvaise santé au cours des dernières années de sa vie et a été fréquemment hospitalisé pour des problèmes cardiaques et respiratoires, une pression artérielle élevée, une pneumonie et un cancer de la vessie. Il souffrait également de symptômes semblables à ceux de la démence en raison de son utilisation d'antidépresseurs. [567] Il n'avait fait aucune apparition publique à la suite d'une crise cardiaque en février 1997. [565] La femme de Sinatra l'a encouragé à « se battre » pendant que des tentatives étaient faites pour le stabiliser, et a déclaré que ses derniers mots étaient : « Je perds. " [568] La fille de Sinatra, Tina, a écrit plus tard qu'elle et ses frères et sœurs (Frank Jr. et Nancy) n'avaient pas été informés de l'hospitalisation finale de leur père, et c'était sa conviction que « l'omission était délibérée. Barbara serait la veuve en deuil seul aux côtés de son mari. » [569] La nuit qui a suivi la mort de Sinatra, les lumières de l'Empire State Building à New York sont devenues bleues, les lumières du Strip de Las Vegas ont été tamisées en son honneur, et les casinos ont cessé de tourner pendant un moment. minute [566] [570]

Les funérailles de Sinatra ont eu lieu à l'église catholique romaine du Bon Pasteur à Beverly Hills, Californie, le 20 mai 1998, avec 400 personnes en deuil et des milliers de fans à l'extérieur. [571] Gregory Peck, Tony Bennett et le fils de Sinatra, Frank Jr., se sont adressés aux personnes en deuil, qui comprenaient de nombreuses personnalités du cinéma et du divertissement. [568] [571] Sinatra a été enterrée dans un costume bleu avec des souvenirs de membres de la famille : Life Savers à saveur de cerise, Tootsie Rolls, une bouteille de Jack Daniel's, un paquet de cigarettes Camel, un briquet Zippo, des jouets en peluche, un chien biscuit, et un rouleau de pièces de dix cents qu'il portait toujours à côté de ses parents dans la section B-8 du Desert Memorial Park à Cathedral City, en Californie. [572]

Ses amis proches Jilly Rizzo et Jimmy Van Heusen sont enterrés à proximité. Les mots « Le meilleur est encore à venir », plus « Bien-aimé mari et père » sont imprimés sur la pierre tombale de Sinatra. [573] Des augmentations significatives des ventes d'enregistrements dans le monde ont été signalées par Panneau d'affichage au mois de sa mort. [235]

Robert Christgau a qualifié Sinatra de « plus grand chanteur du 20e siècle ». [3] Sa popularité n'a d'égal que Bing Crosby, Elvis Presley, The Beatles et Michael Jackson. [565] Pour Santopietro, Sinatra était le « plus grand chanteur pop masculin de l'histoire de l'Amérique », [574] qui a amassé « un pouvoir sans précédent à l'écran et hors écran », et « semblait incarner l'homme ordinaire, un homme américain ethnique du vingtième siècle. qui a atteint le « sommet du tas », sans jamais oublier ses racines". Santopietro soutient que Sinatra a créé son propre monde, qu'il a pu dominer - sa carrière était centrée sur le pouvoir, perfectionnant sa capacité à capturer un public. [575] L'Encyclopædia Britannica a qualifié Sinatra de « souvent salué comme le plus grand chanteur américain de musique populaire du XXe siècle. À travers sa vie et son art, il a transcendé le statut de simple icône pour devenir l'un des symboles les plus reconnaissables de la culture américaine. " [576]

Gus Levene a commenté que la force de Sinatra était que lorsqu'il s'agissait de paroles, racontant une histoire musicalement, Sinatra faisait preuve d'une capacité et d'un sentiment « de génie », qui avec la « rare combinaison de voix et de sens du spectacle » faisaient de lui le « chanteur original » que d'autres qui suivi le plus essayé d'imiter. [577] George Roberts, un tromboniste dans le groupe de Sinatra, a fait remarquer que Sinatra avait un "charisme, ou quoi que ce soit à son sujet, que personne d'autre n'avait". [578] Le biographe Arnold Shaw a estimé que "Si Las Vegas n'avait pas existé, Sinatra aurait pu l'inventer".Il a cité le journaliste James Bacon en disant que Sinatra était "l'image oscillante sur laquelle la ville est construite", ajoutant qu'aucun autre artiste n'avait vraiment "incarné le glamour" associé à Las Vegas comme lui. [140] Sinatra continue d'être considéré comme l'une des icônes du 20ème siècle, [4] et a trois étoiles sur le Hollywood Walk of Fame pour son travail dans le cinéma et la musique. Il y a des étoiles respectivement sur les côtés est et ouest du bloc 1600 de Vine Street, et une sur le côté sud du bloc 6500 de Hollywood Boulevard pour son travail à la télévision. [579]

Dans le New Jersey natal de Sinatra, le parc Frank Sinatra de Hoboken, le bureau de poste de Hoboken, [580] et une résidence à l'université d'État de Montclair ont été nommés en son honneur. [581] Il a reçu la clé de la ville de Hoboken par le maire Fred M. De Sapio le 30 octobre 1947. [582] D'autres bâtiments nommés pour Sinatra incluent la Frank Sinatra School of the Arts à Astoria, Queens, le Frank Sinatra International Student Center de l'Université hébraïque d'Israël à Jérusalem inauguré en 1978, [583] et le Frank Sinatra Hall de l'USC School of Cinematic Arts à Los Angeles, Californie, inauguré en 2002. [584] Le complexe Encore Las Vegas de Wynn Resorts dispose d'un restaurant dédié à Sinatra qui a ouvert ses portes en 2008. [585] Des objets de la vie et de la carrière de Sinatra sont exposés au Frank Sinatra Hall d'USC et au restaurant Sinatra de Wynn Resort. [584] [585] Près de Las Vegas Strip se trouve une route nommée Frank Sinatra Drive en son honneur. [586] Le service postal des États-Unis a émis un timbre-poste de 42 cents en l'honneur de Sinatra en mai 2008, commémorant le dixième anniversaire de sa mort. [580] [587] Le Congrès des États-Unis a adopté une résolution présentée par la représentante Mary Bono Mack le 20 mai 2008, désignant le 13 mai comme Frank Sinatra Day pour honorer ses contributions à la culture américaine. [588]

Sinatra a reçu trois diplômes honorifiques au cours de sa vie. En mai 1976, il a été invité à prendre la parole lors de la remise des diplômes de l'Université du Nevada, Las Vegas (UNLV) au stade Sam Boyd. C'est à ce début qu'il a reçu un doctorat honorifique litterarum humanarum par l'université. [589] Au cours de son discours, Sinatra a déclaré que son éducation était venue de « l'école des coups durs » et a été convenablement touché par le prix. Il a poursuivi en décrivant que "c'est le premier diplôme d'études que j'ai jamais tenu dans ma main. Je n'oublierai jamais ce que vous avez fait pour moi aujourd'hui". [590] Quelques années plus tard, en 1984 et 1985, Sinatra a également reçu un doctorat honorifique en beaux-arts de l'Université Loyola Marymount ainsi qu'un doctorat honorifique en ingénierie du Stevens Institute of Technology. [591] [592]

Sinatra a été dépeint à de nombreuses reprises au cinéma et à la télévision. Une mini-série télévisée basée sur la vie de Sinatra, intitulée Sintra, a été diffusée par CBS en 1992. La série a été réalisée par James Steven Sadwith, qui a remporté un Emmy Award pour ses réalisations individuelles exceptionnelles dans la réalisation d'une mini-série ou d'un spécial, et mettait en vedette Philip Casnoff dans le rôle de Sinatra. Sintra a été écrit par Abby Mann et Philip Mastrosimone, et produit par la fille de Sinatra, Tina. [593]

Sinatra a ensuite été dépeint à l'écran par Ray Liotta (La meute de rats, 1998), [594] James Russo (Voler Sinatra, 2003), [595] Dennis Hopper (La nuit où nous l'avons appelé un jour, 2003), [596] et Robert Knepper (Mon chemin, 2012), [597] et usurpé par Joe Piscopo et Phil Hartman sur Saturday Night Live. [598] Un film biographique réalisé par Martin Scorsese est prévu depuis longtemps. [599] Un épisode de 1998 de la série documentaire de la BBC Arène, La voix du siècle, concentré sur Sinatra. [600] Alex Gibney a réalisé une série biographique en quatre parties sur Sinatra, Tout ou rien du tout, pour HBO en 2015. [601] Un hommage musical a été diffusé à la télévision CBS en décembre 2015 à l'occasion du centenaire de Sinatra. [602] Sinatra a également été interprété par Rico Simonini dans le long métrage de 2018 Frank & Ava, qui est basé sur une pièce de Willard Manus. [603] [604]

Sinatra était convaincu que Johnny Fontane, un chanteur associé à la mafia dans le roman de Mario Puzo Le parrain (1969), était basé sur sa vie. Puzo a écrit en 1972 que lorsque l'auteur et le chanteur se sont rencontrés à Chasen, Sinatra « a commencé à crier des injures », qualifiant Puzo de « souteneur » et menaçant de violence physique. Francis Ford Coppola, réalisateur de l'adaptation cinématographique, a déclaré dans le commentaire audio que "De toute évidence, Johnny Fontane a été inspiré par une sorte de personnage de Frank Sinatra". [605]


Réceptions et dîners 100e anniversaire de Mark Julia Child

Certains des plus grands fans de Julia Child se trouvent parmi les membres nord-américains des Dames d'Escoffier International &ndash une organisation composée de femmes de premier plan dans les industries alimentaires et vinicoles. Il a été formé dans les années 1970 en réponse à l'association entièrement masculine et gastronomique Les Amis d'Escoffier Society. A cette époque, disent Les Dames d'Escoffier, "il n'y avait pas de femmes chefs ou sommelières éminentes, peu de restauratrices et aucune femme n'était autorisée à servir de serveurs dans les établissements gastronomiques".

Sans surprise, la figure plus grande que nature de Julia Child, qui avait commencé sa carrière à la télévision en 1962, a été une source d'inspiration. Non seulement elle aimait cuisiner et manger, mais elle était également ravie de boire du vin. Un sketch "Saturday Night Live" dans les années 70 présentait Dan Aykroyd comme un chef ivre qui s'est démembré avec ses propres ustensiles. Enfant était, bien sûr, le chef en train d'être embroché.

Le mari de l'enfant, Paul, a déclaré qu'à la télévision, le verre que Julia tenait contenait souvent de l'eau teintée avec de l'extrait de bœuf, plutôt que du vin. C'est lui qui l'avait initiée aux délices de la gastronomie et du vin français. Julia a déclaré: "Je n'avais jamais mangé comme ça auparavant. Je ne savais pas qu'une telle nourriture existait. Je n'avais jamais vraiment bu de bon vin auparavant et je ne savais rien du tout à ce sujet. C'était simplement une toute nouvelle expérience de vie. "

En l'honneur du 100e anniversaire de sa naissance, le 15 août, Les Dames d'Escoffier organisent une série d'événements spéciaux. À Atlanta, en Géorgie, la nièce de Child, Phila Cousins, et Michel Escoffier, l'arrière-petit-fils du chef cuisinier français Auguste Escoffier, assisteront à un cocktail à thème français. À Austin, au Texas, les invités d'un dîner-partage se déguiseront en enfant (les colliers de perles ne sont pas obligatoires). À Phoenix, en Arizona, un cocktail sera suivi d'un dîner de quatre plats mettant en vedette des recettes du livre de cuisine Child&rsquos 1961, "Mastering the Art of French Cooking". Le livre a finalement atteint le sommet des listes de best-sellers en 2009, près de 48 ans après sa parution, grâce au film "Julie et Julia", réalisé par feu Nora Ephron. C'est actuellement le choix de cuisine Kindle le mieux noté d'Amazon.

La restauratrice Amy Binkley, qui a sélectionné les vins pour le dîner Phoenix, explique que la raison de célébrer le 100e anniversaire de Child est simple : "Elle est la plus grande influence féminine dans le monde culinaire moderne."

  • Légumes à la Grecque, mousse de foie de volaille, terrine de porc, crevettes en gelée
  • Fricassée de poulet à l&rsquoAncienne, avec ratatouille, tomates à la Provençale, et gratin dauphinois
  • Salade et Fromage
  • Gâteau d'anniversaire

Lorsqu'un écrivain du New York Times, Frank J. Prial, a rejoint Julia et Paul Child pour dîner chez eux à Cambridge, Massachusetts, en 1975, il a déclaré : « Ils aiment le vin, ils en boivent beaucoup. Mais ils ne sont pas sur le point de se laisser emporter par la mystique du vin."

Les Childs et leur invité ont mangé une quiche, accompagnés d'un Niersteiner Domtal &ndash 1971 "un favori de Paul Child, qui a appris à connaître les vins allemands alors qu'il était en poste là-bas pendant ses jours au département d'État". S'en est suivi un Côte-Rôtie 1967, servi avec un filet de bœuf sauce Madère, des artichauts sautés et une salade d'avocat.

Prial a déclaré que Paul Child avait une méthode inhabituelle pour garder une trace de ses vins. Plutôt que de tenir un livre de cave, « Il utilise une grande planche de composition d'environ 2 pieds sur 2 pieds. Chaque vin qu'il possède est inscrit sur la planche, avec le nombre de bouteilles marqué à côté, de cette façon : 'Château Inconnu' 1959 : 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10.' Au fur et à mesure que chaque bouteille est consommée, il efface un numéro. Ainsi, il est toujours capable de dire d'un seul coup d'œil exactement quels vins restent en cave et le nombre de bouteilles de chacune."

En 2000, Julia Child a reçu la plus haute distinction française, la Légion d'Honneur, en reconnaissance de son rôle dans la popularisation de la cuisine française en Amérique. Elle est décédée en 2004, deux jours avant son 92e anniversaire. Paul Child était décédé avant elle en 1994.


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Dirigez-vous vers les collines

C'était une bâtardise du style. Mais le chardonnay était facile à cultiver et était facilement manipulable dans la vinification. Alors que ce style alcoolisé et riche a transformé de nombreux buveurs pour la première fois en vin, les gens ont fini par en avoir marre. Les vignobles ont commencé à comprendre que le chardonnay devait être planté dans les bonnes conditions pour qu'il soit excellent.

Dans une interview que j'ai faite il y a quelques années avec le vigneron Paul Pender de Niagara Winery Tawes, qui fabrique certains des meilleurs chardonnays de la région, il m'a dit : « Le chardonnay peut être un cépage assez ennuyeux à moins qu'il ne soit cultivé dans les bons endroits. Il n'a pas autant de personnalité à lui tout seul, comme le riesling par exemple. C'est subtil et il tire son caractère du terroir, et si vous ne l'avez pas, il le tire de la vinification.


L'écrivain du vin du New York Times Frank Prial décède à 82 ans - Recettes

Expérience culinaire virtuelle en direct Taste of Fame le 21 mai sur Zoom

  1. Le voyage culinaire virtuel comprend un cocktail Q&A de 30 minutes animé par le chef Julia Collin Davison de La cuisine d'essai américaine, où le chef Lidia créera l'une de ses boissons préférées, le Fragoncello, et répondra aux questions, un kit de repas Sunbasket livré à votre domicile pour un maximum de quatre personnes, un cours de cuisine en direct étape par étape avec le chef Lidia sur Zoom, un accès de deux semaines à la leçon de cuisine enregistrée, des salles Zoom privées pour manger avec des amis dans d'autres ménages et un mois d'accès numérique illimité à La cuisine d'essai américaine site Internet.


  1. Profitez de tous les avantages d'un ticket dîner, ainsi que d'un exemplaire dédicacé du livre de cuisine « Felidia : Recettes de mon restaurant phare » du chef Lidia.


Dîner culinaire en personne Taste of Fame le 15 octobre au Marriott Syracuse Downtown

  1. Le ticket dîner comprend un dîner culinaire à trois plats avec des recettes élaborées par Lidia et des histoires pour accompagner chaque plat. Le meilleur du vin Finger Lakes est inclus. Les invités profiteront également d'un cocktail, d'un encan silencieux et d'un accès numérique illimité pendant un mois à La cuisine d'essai américaine site Internet.


  1. Profitez de tous les avantages d'un billet pour le dîner, ainsi que d'une rencontre et d'une séance de photos avec Lidia, d'un événement de démonstration de cuisine en studio et d'une copie dédicacée de "Lidia's Celebrate like an Italian" du chef Lidia. La chef Julia Collin Davison de America's Test Kitchen animera l'événement de démonstration de cuisine et le dîner à trois plats.


  1. Le Ticket de dîner Table des 10 comprend 10 Tickets de dîner avec une table réservée, un voyage culinaire à trois plats avec des recettes élaborées par Lidia et des histoires pour accompagner chaque plat. Le meilleur du vin Finger Lakes est inclus. Les invités profiteront également d'un cocktail, d'un encan silencieux et d'un mois d'accès numérique GRATUIT à La cuisine d'essai américaine site Internet.


  1. Le billet VIP Table des 10 comprend 10 billets VIP avec une table réservée, tous les avantages d'un billet dîner, plus une rencontre et une séance de photos avec Lidia, un événement de démonstration de cuisine en studio et une copie dédicacée du " Lidia's Celebrate like an Italian.” La chef Julia Collin Davison d'America's Test Kitchen animera l'événement de démonstration de cuisine et le dîner à trois plats.


Taste of Fame : l'expérience ultime de Lidia, événement virtuel + événement en personne

  1. L'expérience ultime de Lidia nécessite l'achat de 1 ou plusieurs billets pour l'événement culinaire virtuel Taste of Fame 21 mai sur Zoom, PLUS 1 ou plusieurs billets pour l'expérience culinaire Taste of Fame 15 octobre au Syracuse Marriott Downtown, pour recevoir 20 % de réduction MAINTENANT-23 avril.

Rejoignez votre station PBS locale pour un voyage culinaire virtuel lors de l'événement virtuel en direct Taste of Fame le 21 mai sur Zoom !

Nom de la station Site Internet Logo
WCTE Central TN PBS www.wcte.org
Radiodiffusion publique du Mississippi http://www.mpbonline.org/
Vegas PBS www.vegaspbs.org
WGCU Médias publics www.wgcu.org
Fondation Iowa PBS http://www.iowapbs.org/
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PBS Wisconsin pbswisconsin.org
WYES-TV www.wyes.org
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WBGU-TV http://www.wbgu.org
PBS du New Hampshire www.nhpbs.org
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Médias publics WMHT http://www.wmht.org
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WEDU http://www.wedu.org
Télévision publique de Milwaukee www.milwaukeepbs.org
Médias publics du RLISS http://www.wqln.org
WKNO/Canal 10 www.wkno.org/
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WPBS http://www.wpbstv.org
Radiodiffusion publique WXXI https://www.wxxi.org/
Médias publics de l'OMMS https://wosu.org/
Treize/WNET New York https://www.treize.org/
KEET-TV www.keet.org
WQPT-TV wqpt.org
PBS Kansas www.kpts.org
Médias publics WVIA https://www.wvia.org/
KRVS www.krvs.org

Événement virtuel en direct Taste of Fame le 21 mai sur Zoom

Taste of Fame : événement culinaire virtuel en direct avec la chef Lidia Bastianich

DATE : vendredi 21 mai 2021

18h30-19h Cocktail, 19h Dîner | HE

15h30-16h Cocktail, 16h Dîner | TP

La collecte de fonds culinaire virtuelle de WCNY, Taste of Fame, revient dans les cuisines à domicile à travers le pays. Rejoignez Lidia Bastianich, chef primée, auteure et animatrice de Lidia's Kitchen (APT, WGBH) pour une leçon de cuisine EN DIRECT sur Zoom. Nous nous occuperons du menu, des ingrédients et de la technologie pour en faire une soirée spéciale et inoubliable, le tout dans le confort et la sécurité de votre maison.

Le voyage culinaire virtuel commence par un cocktail Q&A de 30 minutes où le chef Lidia vous montre comment secouer l'un de ses cocktails préférés, Fragoncello, et Q&A animé par le chef Julia Collin Davison de La cuisine d'essai américaine. Ensuite, la chef Lidia guidera les invités à travers une leçon de cuisine en direct sur la façon de préparer sa délicieuse recette de risotto aux asperges printanières.

Notre partenaire culinaire, Sunbasket, livrera à votre domicile un kit de repas d'ingrédients pouvant accueillir jusqu'à quatre personnes. Le Ticket Dîner comprend également un accès de deux semaines à la leçon de cuisine enregistrée et une salle Zoom privée pour manger avec des amis dans d'autres foyers.

Lorsque vous passerez au Premium Ticket, vous recevrez tous les avantages du Dinner Ticket, ainsi qu'un exemplaire dédicacé du livre de cuisine « Felidia : Recipes from My Flagship Restaurant » du chef Lidia.

WCNY espère également amener Lidia à Syracuse le 15 octobre pour son expérience culinaire traditionnelle Taste of Fame au Marriott Downtown Syracuse ! Cet événement dépend de l'état des directives et des restrictions relatives à la pandémie de Covid-19.

Nous espérons que vous vous joindrez à nous pour l'un de ces événements ou les deux ! Une remise spéciale sera disponible pour l'achat d'un billet virtuel le 21 mai et Taste of Fame le 15 octobre au Marriott Downtown Syracuse.

Voyez à quoi ressemblait l'événement l'année dernière avec le chef Marcus !

7e dîner culinaire annuel Taste of Fame de WCNY le 15 octobre à Syracuse

DATE : vendredi 15 octobre 2021

HEURE: 18h-19h Cocktail Hour & Encan silencieux, 19h Dîner | HE

LIEU : Marriott Syracuse Downtown

La 7e expérience de dîner culinaire de collecte de fonds Taste of Fame annuelle de WCNY revient à CNY ! Rejoignez le célèbre chef primé, auteur et animateur de La cuisine de Lidia (APT, WGBH), Chef Lidia Bastianich au Marriott Syracuse Downtown ! Profitez d'un dîner culinaire à trois plats avec des recettes inspirées du nouveau livre de cuisine de Lidia, "Lidia's: A Pot, A Pan, and a Bowl", et des histoires pour accompagner chaque plat. Le dîner de trois plats commencera par une salade de courges et de carottes rôties, un choix d'entrée d'invité parmi : des côtes levées de bœuf braisées à la bière, une pizzaiola au poulet ou une frittata aux épinards et à la ricotta, et un crumble aux pommes et aux canneberges pour le dessert. Le meilleur du vin de Finger Lakes, un cocktail, un encan silencieux et un accès numérique illimité à La cuisine d'essai américaine le site Web est inclus.

Les détenteurs de billets VIP sont invités à assister à un événement de présentation/d'accueil/de démonstration de cuisine aux studios de télévision WCNY à 16 h, avant le dîner de trois plats au Marriott. L'événement VIP comprend une rencontre et une séance de photos avec Lidia, une démonstration de cuisine en studio et une copie dédicacée de "Lidia's Celebrate like an Italian" du chef Lidia. La chef Julia Collin Davison de La cuisine d'essai américaine animera l'événement de démonstration de cuisine et le dîner à trois plats.


WCNY est heureux de travailler avec Sunbasket qui livrera des kits de repas à domicile, afin que les invités puissent cuisiner avec Lidia, qui participera depuis sa cuisine à Boston. Le kit repas Sunbasket comprend :

Apéritif:

Collation après le dîner :

Événement en personne Taste of Fame le 15 octobre

Salade de courges et carottes rôties

Cœurs de scarole, courge poivrée rôtie, pois chiches et carottes,
Garni de Ricotta Salata et amandes grillées,
Arrosé de vinaigrette balsamique

Entrée au choix :

Côtes levées de bœuf braisées à la bière

Côtes De Boeuf Avec Désossées, Braisées Dans Une Ale Brune Avec Carottes, Oignons,
Pommes de terre rouges, pesta et herbes fraîches

Pizzaïola au poulet

Poitrine de poulet légèrement panée et cuite au four, grana padano fraîchement râpé, origan séché, basilic et persil frais et mozzarella,
Servi sur une émulsion de tomate.

Frittata aux épinards et à la ricotta

Frittata au four avec épinards frais, fromage ricotta et pain

Crumble aux pommes et aux canneberges

Pommes Golden Delicious, Canneberges Fraîches, Sucre Granulé,
et amandes hachées, servi avec crème glacée à la vanille

Lidia Bastianich

Lidia est une animatrice de télévision publique primée aux Emmy Awards, une auteure de livres de cuisine à succès avec une douzaine de livres publiés à ce jour, une restauratrice à succès et propriétaire d'une entreprise florissante de restauration et de divertissement. Plus important encore, Lidia a accompli tout cela en épousant ses deux passions dans la vie sa famille et sa nourriture, pour créer de multiples projets culinaires aux côtés de ses deux enfants, Joseph et Tanya.

Les livres de cuisine de Lidia, co-écrits avec sa fille Tanya, incluent Lidia's Celebrate Like an Italian, Lidia's Mastering the Art of Italian Cuisine, Lidia's Commonsense Italian Cooking, Lidia's Favorite Recipes, Lidia's Italy in America, Lidia Cooks from the Heart of Italy et Lidia's Italie, tous les livres d'accompagnement de la série télévisée Lidia's Kitchen, lauréate d'un Emmy et quatre fois nominée, Lidia's Italy in America et Lidia's Italy Les livres les plus récents de Lidia sont ses mémoires, My American Dream A Life of Love, Family, and Food, et son nouveau livre de cuisine, Recettes Felidia de mon restaurant phare.

Lidia est propriétaire/copropriétaire de trois restaurants acclamés de New York, Felidia Becco et Del Posto. Avec sa fille Tanya, elle est propriétaire de Lidia's Kansas City, ainsi que Felidia. Angeles, Las Vegas, Sao Paolo, Brésil et Toronto, Canada Avec Tanya et son gendre Corrado, Lidia a également développé une ligne de produits artisanaux
pâtes et sauces entièrement naturelles, LIDIA'S, qui sont vendues dans les épiceries fines du pays.

Lidia est membre des Dames D'Escoffier et membre fondatrice de Women Chefs and Restaurateurs, deux organisations à but non lucratif de femmes leaders dans les industries de l'alimentation et de l'hôtellerie. Un programme Future, à l'appui de l'éducation des réfugiés.

Parmi les nombreux prix et distinctions que Lidia a reçus figurent sept James Beard Awards (Chef exceptionnel, émission de télévision culinaire, Meilleurs chefs en Amérique, Who's Who of Food Beverage in America, Specials 2016 Special 2017 et 2018 et deux Emmy Awards for Outstanding Culinary Host 2013 et 2018.

Fragoncello

En Istrie, je me souviens, ma grand-mère infusait toujours notre grappa maison avec des herbes et des fruits frais de saison, comme des cerises, des mûres ou des fraises. Ce cocktail était un favori chez Felidia il y a plusieurs années. La douceur des fraises et du sirop simple crée une boisson rafraîchissante pour la fin du printemps et les mois d'été. Je préfère les cocktails pas trop sucrés. Cette recette est facilement démultipliée pour un groupe.

1 tasse de sucre
1 ½ tasse de fraises très mûres hachées, plus 1 fraise, coupée en petits dés, pour la garniture
2 onces de vodka
1 cuillère à soupe de jus de citron vert fraîchement pressé
Brins de menthe

Mélanger le sucre avec 1 tasse d'eau dans une petite casserole et porter à ébullition pour dissoudre le sucre. Ajouter les fraises et laisser mijoter jusqu'à ce qu'elles soient très molles et que le sirop soit rouge vif, environ 10 minutes. Laisser infuser 15 minutes. Le sirop de sucre se conserve bien au réfrigérateur pour la prochaine fête.

Filtrer à travers une passoire à mailles fines sans appuyer sur les solides. (Vous pouvez conserver les solides de fraises cuites pour les mélanger à du yogourt nature ou pour garnir de la crème glacée). Réfrigérer jusqu'à refroidissement, au moins 1 heure.

Refroidissez un verre à martini. Remplissez un shake de glace. Ajouter 1 ½ once de sirop de fraise, ainsi que la vodka et le jus de citron vert. Secouer. Filtrer dans le verre réfrigéré, ajouter la fraise coupée en petits dés et servir immédiatement. Vous pouvez alterner quelques fraises fraîches et des brins de menthe sur un agitateur ou un cure-dent pour une garniture supplémentaire.

Crédit : Felidia : Recettes de mon restaurant phare (Alfred A. Knop, 2019)

Accords mets et vins

Premier cours
Trempette aux épinards, artichauts et pita

Prosecco Italien – Venezia
Chardonnay non boisé - Chablis français ou Piémont Italie – Angelo Gaja de Barbaresco
Sauvignon Blanc – Piémont ou Venezia, Italie – Vallée de la Loire, France
Sauvignon Blanc – Marlboro, Nouvelle-Zélande, nord-ouest du Pacifique ou NY Finger Lakes

Deuxième cours
Risotto aux asperges avec poulet, crevettes ou tofu

Pinot Grigio italien - Trentin, Haut-Adige, Vénétie, Frioul, Julienne et Venise
Cortese – Gavi di Gavi d'Alessandria, Piémont Italie
Verdicchio – Fazi Battaglia des Marches en Italie centrale
Gruner Veltliner – Lombardi, Italie – Autriche – Dr Frank de Finger Lakes, NY

Sangiovese Rosato -Toscane, Italie
Cerasuolo Rosato – Raisin Montepulciano – Abruzzes, Italie
Dolcetto Rosato – Piémont, Italie
Beaujolais Rose – Beaujolais, France

Cru Beaujolais – Brouilly, Beaujolais, France

Troisième cours
Chocolat noir

Italien Mousseux Rosa Regale – Brachetto – Acqui, Piémont
Ruby Port – Vallée du Douro, Portugal

Terry Robards s'est d'abord intéressé au vin au début des années 1960, lorsque les cocktails étaient à la mode. Son objectif était de trouver une boisson agréable avec moins d'alcool que les spiritueux distillés. Il a commencé à goûter et à comparer les vins du Beaujolais en étudiant les livres des écrivains pionniers français André Simon et Alexis Lichine.

Finalement, Terry a goûté son chemin à travers les vins importants du monde avec des livres à la main. À l'époque, il travaillait comme journaliste pour le NY Herald Tribune, puis lorsque le Herald Tribune a fermé ses portes en 1966, il a travaillé pour Fortune Magazine en tant que chroniqueur mensuel. Cependant, Robards s'est rendu compte qu'il avait raté l'action associée aux reportages quotidiens, alors en 1967, il a rejoint le personnel du NY Times en tant que journaliste financier. Il a également écrit un article occasionnel sur le vin pour le Times Magazine, ainsi que la section mercredi pour femmes du journal.

Au début des années 1970, Robards a frappé les ondes de New York avec une émission de radio nocturne de cinq minutes sur WQXR - elle s'appelait The Topic Is Wine. Puis, vers 1972, Terry a eu l'idée d'écrire le NY Times Book of Wine - une sorte de livre d'accompagnement au NY Times Cook Book de Craig Claiborne. Quadrangle Book Publishers a adoré l'idée et lui a proposé un contrat d'édition.

En 1973, Terry a emballé sa famille et ils ont déménagé à Londres où il a travaillé comme correspondant à l'étranger. Là-bas, il a pu passer du temps à faire des recherches dans les vignobles et les caves d'Europe. Il a acquis des connaissances de première main qui se sont avérées être le fondement de son livre, et il s'est fait des amis pour la vie dans les industries du vin de France, d'Italie et d'Allemagne.

À son retour aux États-Unis en 1975, Terry a repris son travail au bureau financier du NY Times. À l'étranger, le Times avait commencé une chronique sur le vin avec l'écrivain Frank Prial comme chroniqueur. Mais, après la publication du NY Times Book of Wine en 1976, le journal s'est rendu compte que son écrivain le plus connu sur le vin était Terry Robards. Finalement, Frank Prial a été transféré au bureau de Paris et Terry a pris la relève en tant que critique de vin, s'appuyant sur son expérience personnelle dans le pays du vin européen pour éduquer ses disciples.

En 1983, Terry Robards a quitté le NY Times et a rejoint le NY Post, qui lui a donné un compte de dépenses à la carte pour voyager. Il a également pu travailler en freelance pour des publications telles que Bon Appetit, Wine Spectator et plus encore. En 1984, le deuxième ouvrage majeur de Terry a été publié par Terry Robards' New Book of Wine: The Ultimate Guide to Wines of the World.

Avec un succès journalistique bien établi, Terry Robards a décidé de déménager de Bronxville, NY à Lake Placid, une ville touristique des Adirondacks célèbre pour avoir accueilli les Jeux olympiques d'hiver de 1932 et 1980. C'est là qu'il a ouvert Terry Robards Wines and Spirits sur Main Street, à l'été 1988. Après la création de la nouvelle entreprise, il a recommencé à voyager et à écrire à la pige ainsi qu'à publier sa propre lettre d'information – The Robards Report & Wine Voyageur.

En 1994, Robards s'est vu offrir le poste de rédacteur en chef principal et chroniqueur pour le magazine Wine Enthusiast. C'était un défi auquel il n'a pas pu résister, alors il a accepté le travail et a déménagé à Bronxville, NY pendant quatre jours par semaine et est retourné à Lake Placid pour travailler dans son magasin le week-end.

En 2004, Terry rencontre sa femme Julie, journaliste et auteur spécialisée dans les antiquités. L'année suivante, ils ont échangé leurs vœux dans la cave à vin du 14ème siècle de Remossenet Père et Fils à Beaune, en Bourgogne. Pendant leur séjour, ils ont assisté à un chapitre avec des amis proches au Clos de Vougeot – domicile de la célèbre société des vins de Bourgogne – Confrerie des Chevaliers du Tastevin. En 2007, Julie a été intronisée au Chapitre Chevalier du Tastevin Albany et Terry a reçu le titre de Grand Officier Honoraire, en tant que membre le plus ancien aux États-Unis.

Au fil des ans, Terry Robards a été juge au Concours de Mondial International Wine Competition. Il est membre fondateur de L'ordine Della Vita Italian Wine Society et membre de nombreuses organisations dont la Commanderie de Bordeaux, les Compagnons de Beaujolais et la Food and Wine Society de New York pour n'en nommer que quelques-uns.

En 2011, le beau-fils de Terry, Timothy Robinson (un barman professionnel) a repris les opérations quotidiennes du magasin. Sa connaissance des spiritueux distillés et son enthousiasme pour les séminaires pédagogiques et les dégustations sur le sujet ont permis d'équilibrer l'orientation vin du magasin.

De plus, les compétences de Tim en matière de médias sociaux et son expertise en marketing ont contribué à faire de l'entreprise ce qu'elle est aujourd'hui. Terry Robards Wines and Spirits propose la meilleure sélection de vins fins et de spiritueux rares au nord de New York.

En 2012, Terry Robard a été intronisé au Wine Media Guild Wine Writer's Hall of Fame. Peu de temps après, il a officiellement pris sa retraite des opérations quotidiennes du magasin de vin, mais continue toujours de participer à des événements éducatifs de dégustation de vins.

En 2014, Julie Robards a lancé un programme éducatif sur le vin appelé The Basics of Wine. Le cours de certificat de dix semaines couvre tout, de l'histoire des techniques de vinification à la dégustation et à l'apprentissage des vins les plus populaires d'aujourd'hui.

Terry Robards Wines and Spirits, maintenant dans sa 33e année d'activité, peut être trouvé sur www.trwslpny.com et est également sur facebook et instagram. Le magasin est situé au 2047 Saranac Avenue, Lake Placid, NY.

La trempette épinards-artichauts avec pita traditionnel et les barres de chocolat noir simples sont des compliments de Sunbasket à savourer ce soir-là ou à un autre moment.

Les Italiens adorent servir un buffet d'antipasto pour commencer n'importe quel rassemblement, grand ou petit. Pour un plat à cuisson lente comme le risotto, un plateau d'antipasto italien est un début parfait, car vous pouvez le préparer à l'avance.

À la maison, j'utilise mon île pour préparer ma tartinade d'antipasto et j'inclus toujours beaucoup de légumes marinés, comme des champignons, des artichauts, de la giardiniera, une tartinade de salumi italien et une sélection de fromages italiens importés. J'aime aussi inclure une sélection de gressins, de pains rustiques, un peu de miel et des cerises sauvages pour arroser les fromages.

Avant Taste of Fame

Questions générales sur Taste of Fame : [email protected] ou (315) 925-1443.





Photos

Le chef Marcus cuisine au Taste of Fame

Jeff Scheer, président du conseil d'administration du WCNY et coprésident de Taste of Fame profitant de l'événement avec sa femme, Abby,

et ses filles, Sophie, Rachel et Rose.

De gauche à droite : Bonnie Jones, Gail Meagher, Charleen Stehle et Mary Pat Oliker.

De gauche à droite : Bill Porter, Don Stehle et Walter Meagher apprécient Taste of Fame.

La famille Schimpff profite de l'événement.

Dans les nouvelles

Podcast de NewsChannel 570 WSYR

Syracuse.com

bon appétit

Magazine des contreforts de l'Arizona

Magazine culinaire d'Austin

Broadwayworld.com

Magazine de la nourriture et des boissons

Compte-rendu du chef

Julia Collin Davison

Julia Collin Davison est directrice éditoriale exécutive de La cuisine d'essai américaine. Elle est également l'hôte de La cuisine d'essai américaine et Pays des cuisiniers et est un acteur original des deux émissions, qui sont deux des émissions de cuisine pédagogique les mieux notées à la télévision.

Julia a commencé à travailler comme cuisinière d'essai pour Cook's Illustrated en 1999 et a dirigé le développement de recettes pour les livres de cuisine America's Test Kitchen pendant plus d'une décennie.

Julia est une invitée régulière sur Le spectacle du Dr Oz, Hallmark Channel Maison & Famille, et QVC et est apparu sur Fox & amp amis et Aujourd'hui.

Elle est diplômée du Culinary Institute of America en 1996, a reçu un Augie Award du Culinary Institute of America et a été intronisée à la prestigieuse Disciples d'Escoffier Culinary Society en 2018. Elle est originaire de Rochester, NY.


Ali Khan

Ali Khan est un animateur de télévision et un écrivain/blogueur/influenceur culinaire partageant son amour pour la nourriture sur plusieurs plateformes numériques. Sa série en petits groupes, Cheap Eats, a duré 5 saisons sur Cooking Channel. Il est un habitué de The Best Thing I Ever Ate, un juge de Food Network's Chopped +Chopped Junior et a été l'hôte de la quatrième saison du Spring Baking Championship, également sur Food Network.

Ses écrits culinaires sont parus dans Black Book Magazine, Urban Daddy, LA TACO, gagnant de James Beard, You Gotta Eat This, ainsi que la rédaction de son propre blog culinaire, Bang for your Burger Buck. Sa série de vlogs, « blackbookali » faisait partie du lancement initial du contenu de Tastemade.

Étant l'enfant d'immigrants sud-asiatiques, Ali a appris très tôt que la nourriture exotique pour certains est une nourriture réconfortante pour d'autres. Il attribue son éducation au milieu de l'Amérique avec des parents littéralement à l'autre bout du monde avec sa compréhension intime de la nourriture et des cultures alimentaires.

En plus de l'écriture culinaire, Ali est un interprète né formé aux arts théâtraux à l'Université Carnegie Mellon et à l'Université de Californie du Sud où il a obtenu son B.A. en études théâtrales. Sa passion pour la performance et tout ce qui est épicurien l'a finalement conduit à Food Network, où ses premières apparitions incluent Grill It with Bobby Flay et The Best Thing I Ever Made. Les crédits de producteur incluent 24 $ sur 24 de Food Network, Thanksgiving Live et il a aidé à développer des projets pour Jeff Mauro, Alton Brown et Simon Majumdar.

En 2015, Ali a créé sa propre émission, Cheap Eats, sur Cooking Channel. Armé d'un budget de seulement 35 $, Ali fait une tournée culinaire aux États-Unis avec un budget que presque tout le monde peut se permettre. Cheap Eats a été diffusé pendant 5 saisons couvrant 40 États et 59 villes en autant d'épisodes.

En 2018, Ali a rejoint le Spring Baking Championship de Food Network en tant qu'hôte de la 4e saison. Ali a fait de nombreuses apparitions dans l'émission Chopped and Chopped Junior de Food Network, Best Thing I Ever Ate.

En 2020, Ali a lancé Good Sauce, une chaîne YouTube dédiée à ses deux amours : la cuisine et la comédie. La première série, Ali vs The Dome sort de nouveaux épisodes tous les jeudis.

Il réside actuellement à Austin TX.


Brad Miller

L'amour de Brad pour la cuisine lui a été inculqué dès son plus jeune âge. Ayant grandi dans une banlieue de Chicago, Brad a passé une grande partie de son enfance à cuisiner aux côtés de sa grand-mère et à prêter main-forte dans la boucherie de son père. Décidant de transformer cette passion en carrière, Miller s'est inscrit au programme Cordon Bleu du Scottsdale Culinary Institute. Après avoir obtenu son diplôme, il a travaillé pour le Latilla 5 étoiles de l'Arizona aux Boulders et le Wright 4 étoiles à l'Arizona Biltmore, avant de se rendre à Patina, étoilé au Michelin, à Los Angeles. De là, il est devenu le chef exécutif du restaurant le plus romantique de LA, Inn of the Seventh Ray. Là, il a reçu les éloges de nombreux points de vente, y compris le meilleur critique gastronomique du Los Angeles Times, S. Irene Virbila.

Brad est actuellement chef et copropriétaire du restaurant Inn of the Seventh Ray, chef d'entreprise et créateur de goûts pour Five Star Senior Living, l'une des sociétés de retraite les plus prestigieuses du pays. Il est également propriétaire de Brown Butter Productions, une société de restauration et de production de contenu.

Brad est une personnalité de la télévision très recherchée, apparaissant sur des chaînes telles que VH1, NBC, FOX, Food Network, Cooking Channel, PBS, AWE, VICE, Travel Channel, Tasted Channel et The Hallmark Channel. Regardez Brad dans sa propre émission "Food Truck Nation", qui diffuse actuellement sa deuxième saison sur The Cooking Channel. Vous pouvez également trouver Brad sur "Best Thing I Ever Ate", actuellement diffusé sur Food Network.


Laura Théodore

Laura Theodore est une personnalité de la télévision reconnue à l'échelle nationale, une animatrice de radio podcast, une célèbre chef végétalienne de PBS, une chanteuse de jazz renommée et l'auteure primée de cinq livres de cuisine à base de plantes.

Laura est co-créatrice du très réussi Jazzy Végétarien série de cuisine à la télévision publique nationale et elle est l'animatrice de l'émission Podcast Jazzy Végétarien sur la radio en ligne Unity.

Laura est l'auteur de cinq livres de cuisine, dont Délicieusement végétalien de Jazzy Vegetarian, qui a remporté des médailles d'argent au 2018 IBPA Benjamin Franklin Awards, Midwest Book Awards et le Prix ​​du livre Vivre maintenant 2019. Son nouveau livre de cuisine, Végétalien pour tous 160 recettes familiales avec une délicieuse touche moderne a été récemment publié par Scribe Publishing Company. Laura et Jazzy Végétarien sont destinataires de la Prix ​​du Goût pour Meilleure émission télévisée sur la santé et la forme physique (alimentation et régime), et Jazzy Végétarien a été intronisé dans le Temple de la renommée du goût.

Laura a fait la couverture de trois magazines prestigieux Végétalien américain, Jazzin', et La Fashionista Compassionista. Elle a fait des apparitions sur Le discours sur CBS, Initié/Divertissement ce soir et le Rapport sur la santé et le bien-être de la radio WCBS News. Laura a été présentée dans le New York Times, Nouvelles quotidiennes de New York, Mère Terre Vivante, VegNews, Cercle familial, Reader's Digest et Alimentation PBS, parmi d'autres journaux très respectés sur l'actualité, l'alimentation, la musique et le style de vie.

En tant que chanteuse de jazz et auteur-compositeur de renommée mondiale, Laura a enregistré six CD solo, dont son disque primé, « Tonight’s the Night », qui a reçu un prix Prix ​​du magazine des musiciens. La sortie de son CD avec le regretté et grand Joe Beck intitulé “Golden Boucles d'oreilles,” (sur le Détroit de la ville baleinière label) figurait sur la liste GRAMMY® dans la catégorie « Meilleur album vocal de jazz ». Laura a fait des tournées dans tout le pays, se produisant lors de nombreux événements majeurs, tels que comme Nuit des 100 étoiles, Boule de feu et de glace, et Les Prix du cinéma américain.

Côté actrice, Laura est apparue dans plus de soixante pièces et comédies musicales, dont Off-Broadway pendant deux ans dans la série à succès "Beehive", ce qui lui a valu un prix très convoité. Prix ​​du bistrot dans les coulisses. Elle a été honorée du Denver Critics Drama Circle Award comme « Meilleure actrice dans une comédie musicale », pour son rôle principal de Janis Joplin dans la première production mondiale de « Love, Janis ».

Avec son amour pour la bonne nourriture, sa compassion pour les animaux et son enthousiasme pour la bonne musique, sa personnalité aux multiples talents, Laura Theodore a vraiment est les Jazzy Végétarien. En savoir plus sur Laura et Jazzy Vegetarian sur : www.jazzyvegetarian.com


Joanne Weir

Cuisinière professionnelle de 4e génération, Joanne Weir a passé cinq ans à cuisiner chez Panisse après avoir obtenu un Master Cuisinier Diplôme avec Madeleine Kamman. Joanne voyage et donne des cours de cuisine dans le monde entier, notamment en Italie, en Espagne, en France, en Grèce, au Maroc, en Australie et en Nouvelle-Zélande. Elle enseigne également lors d'événements à travers les États-Unis et dans la cuisine de son studio de San Francisco. Joanne est copropriétaire de Copita, un restaurant mexicain moderne primé et une tequileria à Sausalito, en Californie.

Joanne est une auteure de livres de cuisine primée par James Beard et a écrit 17 livres de cuisine, dont son plus récent mémoire culinaire, Kitchen Gypsy: Stories and Recipes from a Lifetime Romance with Food, publié en septembre 2015. Joanne écrit pour plusieurs publications nationales, dont Sunset. Magazine, Cooking Light, Better Homes and Gardens, Fine Cooking et Food & Wine.

Joanne est également l'animatrice et productrice exécutive de plusieurs séries télévisées primées. Son dernier spectacle, "Joanne Weir's Plates & Places", a été nominé pour plusieurs Taste Awards et a été choisi comme la "Meilleure nouvelle série" en 2018. Tourné dans le monde entier, chaque épisode offre aux téléspectateurs un voyage virtuel dans plusieurs des films de Joanne. destinations culinaires. La série en est actuellement à sa troisième saison et est diffusée dans tout le pays à la fois sur Public Television et Create dans plus de 94% des foyers américains.

Methin "Max" Chuthinthranond

Methin "Max" Chuthinthranond et son épouse Pook sont les fondateurs, propriétaires et exploitants du restaurant primé Lemon Grass & Bistro Elephant Steakhouse situé à Armory Square, Syracuse depuis plus de 20 ans. Ils exploitent également l'emplacement jumeau, Citronelle, un restaurant, un bar et un espace événementiel d'inspiration néo-américaine et méditerranéenne.


30 mai 2006

Résultats du sondage de la semaine dernière

Beaucoup de nos lecteurs participent au sondage hebdomadaire sur notre page principale, et certains d'entre vous m'ont dit que vous aimeriez connaître les résultats finaux chaque semaine. J'entends et obéis. À partir d'aujourd'hui, je présenterai les résultats du sondage dans le premier blog de la semaine. À partir de la semaine prochaine, recherchez les résultats du sondage tous les lundis matins vers 11 h, heure de l'Est.

La semaine dernière, nous vous avons demandé si vous pensiez que les ventes de bière cet été seraient meilleures, pires ou identiques à celles de l'été dernier. Après un certain optimisme initial dans le décompte qui montrait que presque personne ne prédisait un affaissement cet été, le résultat final a été mitigé : 21 % des électeurs voient les ventes de bière pires cet été, tandis que 37 % prédisent de meilleures ventes et 42 % pensent que les choses vont rester quasiment la même chose.


Lundi 24 novembre 2008

Éditorial Epiphanie

Cela va sembler tellement ringard, mais en lisant le dernier éditorial du State Journal, "Ne laissez pas les pols choisir leurs votes", j'ai eu une révélation sur la politique du Wisconsin. Dimanche dernier, les rédacteurs de la page éditoriale réfléchis et payants se sont prononcés sur les règles de redécoupage pourries de l'État conçues par et pour les titulaires afin de protéger leurs sièges législatifs. Les gauchers et les conservateurs ont tous deux pris la chaleur pour avoir permis au dessin au trait une fois par décennie de se débarrasser commodément des circonscriptions électorales qui ne sont pas exactement passionnées par leur marque de politique.

En tant que journaliste de formation, je peux être sceptique quant à la nature imprudente du pouvoir et de l'influence. Et je peux dire à quel point il est crucial pour les sociétés démocratiques d'examiner et de remettre en question le rôle du leadership et du gouvernement. Franchement, c'est pourquoi j'ai été tellement énervé ces derniers temps que les salles de rédaction aient été pratiquement abandonnées par leurs propriétaires d'entreprise et des annonceurs ingrats. (Est-ce juste moi ou est-ce que les publicités dans le State Journal ces derniers temps ressemblent à des espèces envahissantes étouffant une flore saine ?). Mais en même temps, j'ai toujours pensé que la plupart des responsables, qu'ils soient enseignants, prêtres, médecins ou politiciens, ont à cœur les meilleurs intérêts de leur communauté.

C'est donc avec un cœur lourd et un peu coupable que je partage mon épiphanie. Le Wisconsin a commencé son voyage dans le 20e siècle en étant un modèle progressiste et fondé sur des principes. Il a terminé les années 90 un gros chat heureux, le genre qui a conduit à des copains politiques, à des scandales de caucus législatif et maintenant, parce que toutes les bonnes choses doivent avoir une fin, à des déficits de cinq milliards de dollars. C'est atroce. Et ce que j'ai réalisé en lisant la chronique éditoriale de dimanche, c'est que les habitants du Wisconsin comme moi sont tellement habitués à un gouvernement bon et propre et à une réputation depuis des années et des années. et des années du meilleur comportement de nos élus que nous ne pouvons pas reconnaître ou accepter les dommages causés. Nous ne sommes plus un modèle, nous sommes la fille que vous n'osez pas ramener à la maison à vos parents.

D'autres États du Midwest comme l'Iowa, permettez-moi de répéter : l'IOWA a eu le meilleur de nous lorsqu'il s'agit de quelque chose d'aussi simple et peu démocratique que le redécoupage. Ensuite, il y a un autre voisin appelé Minnesota, avec des lacs d'une propreté éclatante et un système de taxation qui, selon les experts, est un ami des entreprises, du gouvernement et de l'éducation sans saigner les portefeuilles des contribuables.

Pendant tant d'années, nous avons élu tant de gens bons et honnêtes à des postes démocrates, républicains ou Ed Thompson que nous avons tenu pour acquis notre privilège et notre responsabilité de tenir ces humains, avec toutes leurs imperfections, responsables. Ensuite, nous sommes choqués et consternés lorsqu'ils adoptent une solution de fortune pour financer l'éducation publique, font campagne pour le sou des contribuables ou tiennent un budget en otage pour protéger les intérêts particuliers et la direction du parti qui les ont fait élire.

Nous avons tous eu nos épiphanies politiques. Le mien est certes une variation sur le thème d'un expert, et franchement, un peu trop tard. Alors que mon moment tardif « aha » ne fera pas grand-chose pour cet état de notre État, il me rappelle l'incroyable importance de nos voix éditoriales, qu'elles soient imprimées, en ligne ou sur les ondes. Ils sont composés de professionnels intelligents, raisonnés et cultivés qui nous disent ce qu'ils pensent - non pas parce que, comme nos politiciens, ils veulent notre vote dans les circonscriptions qu'ils ont dessinées comme des enfants avec trop de crayons, mais parce qu'ils veulent que nous connaissions les faits tels qu'ils les voient.

Nous ne sommes peut-être pas d'accord avec les pages d'opinion à chaque fois, mais nous devons respecter ce qu'ils ont à dire et, dans de nombreux cas, les remercier d'avoir eu le courage de mettre la plume sur du papier mourant.


Pouvoir d'achat

Entre les conférences, les regards noirs sur les étudiants de premier cycle, la correction, la correction, la recherche et la correction, j'aide à la campagne Right2Know. Lancé il y a environ un an, Right2Know représente une coalition d'individus, d'organisations de la société civile et de groupes communautaires préoccupés par le projet de loi sur la protection des informations de l'État.

Nous pensons que le projet de loi sur le secret - comme R2K préfère l'appeler - portera atteinte au droit de tous les Sud-Africains d'accéder aux informations gouvernementales, ce qui est garanti par l'article 32 de notre Déclaration des droits. Le projet de loi sur le secret permettra aux représentants du gouvernement de tout « organe de l'État » – une image déplaisante – ou, en d'autres termes, de tout département, organisme parapublic, agence ou institution associé à l'État, de classer les informations jugées sensibles et potentiellement menaçant pour la sécurité nationale. En effet, cela signifie que le Natal Shark Board, l'Algoa Bus Company et même le zoo de Johannesburg seraient en mesure de classer les informations.

De plus, le projet de loi n'inclut pas de clause d'intérêt public et les sanctions qu'il cherche à introduire pour la fuite d'informations classifiées sont ridiculement élevées. Les dénonciateurs encourent jusqu'à vingt-cinq ans de prison. Je ne m'oppose pas à la législation qui contrôle l'accès à des informations potentiellement dangereuses - comme les plans pour Koeberg ou Pollsmoor - mais Right2Know est profondément préoccupé par le fait que ce projet de loi fera du secret, plutôt que de l'ouverture, la position par défaut au sein du gouvernement. Ce projet de loi aura un effet dissuasif sur les médias, mais il aura également un impact sur la capacité des gens ordinaires à demander des comptes à l'État.

La campagne a eu un impact important sur ce projet de loi. Le projet de loi tel qu'il se présente actuellement n'est pas aussi draconien que sa première incarnation l'année dernière, et l'ANC a maintenant complètement retiré le projet de loi du Parlement. (Nous nous inquiétons cependant du processus de « consultation publique » que l'ANC est sur le point de commencer.)

Mais je pense que notre plus grande réussite a été de mobiliser l'opinion populaire contre une loi dont les implications ne sont pas immédiatement évidentes. Nous avons réussi à amener les gens à manifester contre le projet de loi et à organiser des séances d'information publiques et des réunions communautaires. Je pense que c'est en partie parce que la campagne a assez bien réussi à faire changer d'avis le parti au pouvoir. Right2Know a montré comment le rassemblement de personnes ordinaires en grand nombre autour d'une cause particulière peut faire la différence.

Bien que le mouvement Occupy montre que lorsque les gens sont suffisamment convaincus d'un problème, ils participent à des manifestations même s'ils savent que les chances de succès sont assez minces, il est toujours difficile de contrer les critiques selon lesquelles il ne sert à rien de s'engager politiquement parce que effectuer le changement est vraiment difficile. Je pense que c'est en partie pour cette raison que tant d'organisations militantes se tournent vers l'activisme des consommateurs comme moyen d'encourager les gens à agir sur des problèmes particuliers : il est plus facile de changer les habitudes d'achat au nom d'une cause et cela nécessite moins d'engagement que d'autres formes de protestation. De plus, il s'est avéré relativement efficace. L'activisme des consommateurs frappe les entreprises là où ça fait mal : leurs profits. La campagne de Greenpeace de l'année dernière pour persuader Nestlé de ne pas utiliser de produits issus de la forêt tropicale a amené le géant de l'alimentation à annoncer qu'il ne s'engagerait pas dans des pratiques néfastes pour l'environnement en Indonésie.

L'activisme des consommateurs autour de l'alimentation existe depuis aussi longtemps que l'idée de consommateur – plutôt que de client. J'ai déjà écrit sur le lien entre l'essor de l'industrie alimentaire américaine et son utilisation croissante de la publicité pour promouvoir des produits de marque à la fin du XIXe siècle, et la construction de « consommateurs ». Les clients achetaient de l'avoine à la poubelle de l'épicier parce qu'ils mangeaient de la bouillie au petit-déjeuner. Les consommateurs ont choisi l'avoine Quaker parmi une gamme d'autres marques parce qu'ils s'identifiaient aux valeurs associées à ce produit particulier.

L'un des effets de l'industrialisation de la production alimentaire – en fait, de la chaîne alimentaire – a été une incidence accrue d'adultération des aliments. Nous savons que pendant des siècles, les commerçants et les épiciers ont ajouté du vrac pour fabriquer leurs produits pour les faire aller plus loin : de la craie moulue à la farine, de l'eau au lait ou au vinaigre, du sable au sucre et des feuilles séchées au thé. La différence était qu'à mesure que de plus en plus d'aliments étaient produits dans les usines et qu'il devenait plus difficile de contrôler cette production, l'adultération des aliments s'est produite à grande échelle. En Grande-Bretagne et aux États-Unis, l'inquiétude concernant la pureté des aliments s'est accrue au cours du XIXe siècle, et pour de très bonnes raisons.

En 1820, Frederick Accum, un chimiste allemand vivant à Londres, publia Traité des falsifications des poisons alimentaires et culinaires dans lequel il a détaillé dans quelle mesure les producteurs alimentaires britanniques utilisaient des substances nocives – et même potentiellement mortelles – pour augmenter le volume et le poids de leurs produits, et également améliorer leur apparence. Les sels de plomb, de cuivre et de mercure étaient utilisés pour rendre le thé et le café frelatés plus foncés, le pain plus blanc et les bonbons et gelées plus colorés. Trente ans plus tard - et après qu'Accum se soit enfui en Allemagne après la fureur provoquée par son livre - un autre groupe de scientifiques britanniques a découvert que l'adultération était la norme, plutôt que l'exception, dans la fabrication des aliments.

L'un d'entre eux, Arthur Hill Hassall, travaillait comme analyste en chef pour la glorieusement intitulée Analytical Sanitary Commission, et il s'est mis au travail en analysant méthodiquement la composition d'une gamme de médicaments et de produits alimentaires manufacturés. Entre 1851 et 1854, Hassall a identifié l'alun dans le pain et les composés de fer, de plomb et de mercure dans le poivre de Cayenne, les sels de cuivre dans les fruits en bouteille et les cornichons, et le rouge vénitien dans les sauces, les viandes en pot et le poisson. Il a publié ses découvertes dans La Lancette, et le tollé général qui a résulté de son travail était en partie à l'origine de l'adoption de la première loi sur la falsification des aliments en 1860.

En Grande-Bretagne, les efforts pour lutter contre l'adultération des aliments ont été largement motivés par des scientifiques et des politiciens. L'indignation des consommateurs était importante dans la mesure où elle encourageait les producteurs alimentaires à se conformer aux nouvelles réglementations concernant les additifs, mais il ne s'agissait pas d'une campagne axée sur les consommateurs. C'est pourtant aux États-Unis que le mouvement pure food a été la première manifestation de l'activisme des consommateurs à l'échelle nationale. La taille, l'influence et le poids politique de l'industrie alimentaire américaine avaient besoin d'un défi concerté pour changer.

Les Américains étaient conscients d'une baisse de la qualité des aliments manufacturés depuis le milieu du XIXe siècle – et comprenaient que cela était lié au fait que les aliments étaient transformés dans les usines. Comme le dit une rime populaire :

Mary avait un petit agneau, / Et quand elle l'a vu tomber malade, / Elle l'a expédié à Packingtown, / Et maintenant c'est étiqueté poulet.

Les premières personnes à se mobiliser contre la falsification des aliments étaient les femmes de la classe moyenne dans les années 1870. Les femmes américaines blanches aisées et bien éduquées ont été impliquées dans une série de mouvements philanthropiques et de réforme au cours des dernières décennies du XIXe siècle - une période connue sous le nom d'ère progressiste dans l'historiographie américaine. Le mouvement mondial pour la tempérance – qui a fait campagne pour une réglementation plus stricte des ventes d'alcool – était presque entièrement dirigé par des femmes de la classe moyenne qui justifiaient leur engagement dans la politique au motif qu'il s'agissait d'une question concernant principalement les femmes – et en particulier les femmes pauvres. De même, les femmes américaines se sont battues pour la réglementation de l'industrie alimentaire parce que l'approvisionnement des ménages en nourriture était l'affaire d'épouses et de mères diligentes. Même si de nombreuses femmes impliquées dans la tempérance et d'autres mouvements sont finalement devenues actives dans les organisations de franchise de femmes, ces campagnes étaient politiquement et, dans une certaine mesure, socialement conservatrices. Ils étaient également dirigés localement et ont émergé de clubs sociaux, de sociétés d'amélioration et d'organisations caritatives existants.

Comme en Grande-Bretagne, des études menées par des conseils de santé et des sociétés médicales ont révélé que la contamination des aliments transformés était répandue : la farine contenait du riz moulu, du plâtre de Paris, du gruau et du pain de sable contenait du sulfate de cuivre et des cendres le beurre contenait du cuivre, du fromage contenait des sels de mercure et le saindoux contenait de la chaux caustique et de l'alun. Le poivre de Cayenne a été adultéré avec du plomb rouge et de la moutarde à l'oxyde de fer avec du chromate de plomb et du sulfate de chaux et du vinaigre avec des acides sulfurique, chlorhydrique et pyroligneux, et du sucre brûlé. Joli.

Ces campagnes étaient fondées sur la conviction que les producteurs d'aliments étaient devenus si puissants que le gouvernement américain devait intervenir pour protéger les consommateurs contre eux. Même si plusieurs États ont adopté une législation sur la pureté des aliments, il est devenu clair que l'industrie alimentaire devait être réglementée sur une industrie nationale, et une campagne menée par le Journal de la maison des dames et Colliers et soutenus par des économistes domestiques et d'autres, ont plaidé pour l'introduction d'une loi fédérale, similaire à celle du Royaume-Uni.

Étonnamment, les entreprises alimentaires étaient en faveur de cette législation. Non seulement cela simplifierait les règles de plus en plus complexes et contradictoires en vigueur dans différents États, mais ils ont fait pression sur le gouvernement américain pour qu'il rédige une loi qui convienne à leurs intérêts commerciaux. En fait, Heinz et d'autres organisations ont en fait bénéficié de la Pure Food and Drug Act de 1906 : ils ont fait la publicité de leurs produits - que Heinz a vendus dans des bouteilles en verre transparent pour démontrer leur pureté - comme étant l'alternative la plus sûre, la plus saine et la plus pure aux produits sans marque. vendus par de petits épiciers locaux. Heinz, réglementé par le gouvernement américain, était le choix sain.

Je ne veux pas nuire à la réussite des militants de l'alimentation pure, mais, ironiquement, leurs efforts pour freiner les excès de l'industrie alimentaire américaine ont en fait eu pour effet de renforcer ces grands transformateurs. Je pense donc que cet exemple d'activisme de consommation est instructif. Il est certainement vrai qu'en tant que consommateurs, notre capacité à retenir ou à rediriger notre pouvoir d'achat peut provoquer des changements, et nous devons exploiter cela. Mais cela ne fonctionne qu'en période d'abondance. Nous avons vu comment les ventes de produits biologiques ont chuté dans le monde pendant la récession. Manger éthiquement est une entreprise coûteuse.

Plus important encore, l'activisme des consommateurs ne nous amène pas à remettre en question le fait que nous agissons - et que nous sommes perçus par nos gouvernements - principalement comme des consommateurs plutôt que des citoyens. Deuxièmement, il ne se demande pas pourquoi acheter des choses est considéré comme si important : il ne considère pas le consumérisme lui-même. De plus en plus de preuves indiquent que le consumérisme endémique ne rend pas les sociétés heureuses et que nous devons acheter et gaspiller moins pour le bien de notre planète.

J'ai été frappé récemment par un commentaire fait par Yvon Chouinard, le fondateur de la gamme de vêtements outdoor Patagonia, dans une interview avec L'écologiste: « Il ne fait aucun doute que nous n'allons pas sauver le monde en achetant de la nourriture et des vêtements biologiques, ce sera en achetant moins. » L'activisme des consommateurs ne peut aller plus loin pour provoquer le changement. Nous devons remettre en question le consumérisme lui-même.

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